Kasaysayan ng ballet ng Russia.
Ang Ballet (French ballet, mula sa Latin Ballo - I dance) ay isang uri ng stage art, ang pangunahing paraan ng pagpapahayag na kung saan ay inextricably linked musika at sayaw. Ang sayaw ay ang pagpapahayag ng mga saloobin at damdamin sa pamamagitan ng mga kumbensyonal na galaw - kilos at pose. Ito ay ginaganap sa musika kung saan ito kumukuha ng nilalaman nito. Kadalasan, ang isang ballet ay batay sa ilang uri ng balangkas, dramatikong konsepto, libretto, ngunit mayroon ding mga walang plot na ballet.
Kasaysayan ng ballet ng Russia.
Ang mga pangunahing uri ng sayaw sa ballet ay:
Ang klasikal na sayaw ay isang sistema ng nagpapahayag na paraan ng choreographic na sining, batay sa maingat na pag-unlad ng iba't ibang grupo ng mga paggalaw at posisyon ng mga binti, braso, katawan at ulo.
Ang sayaw ng karakter ay isang sayaw kung saan ang mga katutubong sayaw ay pinagsama sa mga elemento ng klasikal na sayaw. Ngunit sa parehong oras ay pinananatili nila ang kanilang pambansang katangian.
Ang Pantomime (mula sa Griyegong παντόμῑμος) ay isang uri ng pagtatanghal sa entablado na idinisenyo upang ihatid ang isang balangkas o kwento (sa una - pangunahin sa isang likas na komiks) sa tulong ng mga ekspresyon ng mukha at kilos, nang hindi gumagamit ng mga salita.
Ito ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa balete, sa tulong nito, ipinarating ng mga aktor ang damdamin ng mga karakter, ang kanilang "pag-uusap" sa isa't isa, ang kakanyahan ng kung ano ang nangyayari.
Pantomime.
Edgar Degas. Dress rehearsal ng balete
Ang ballet ay nagmula sa Italya noong Renaissance (ika-16 na siglo), sa simula ay isang eksena sa sayaw na pinagsama ng iisang aksyon o mood, isang episode sa isang musical performance o opera. Hiniram mula sa Italya, ang court ballet ay namumulaklak sa France bilang isang kahanga-hangang seremonyal na palabas. Ang batayan ng musika ng mga unang ballet (The Queen's Comedy Ballet, 1581) ay mga katutubong sayaw at court na bahagi ng sinaunang suite. Sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, lumitaw ang mga bagong theatrical genre, tulad ng comedy-ballet, opera-ballet, kung saan ang isang makabuluhang lugar ay ibinigay sa ballet music at ang mga pagtatangka ay ginawa upang isadula ito. Ngunit ang ballet ay naging isang independiyenteng anyo ng sining sa entablado lamang sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo salamat sa mga repormang isinagawa ng koreograpong Pranses na si J. J. Nover Batay sa mga aesthetics ng mga French enlighteners, lumikha siya ng mga pagtatanghal kung saan ang nilalaman ay ipinahayag kapansin-pansing nagpapahayag ng mga plastik na larawan, at itinatag ang aktibong papel ng musika bilang "isang programa na tumutukoy sa mga galaw at kilos ng mananayaw."
Ang pagsilang ng ballet.
J.J.Nover
Ang karagdagang pag-unlad at pag-unlad ng balete ay naganap sa panahon ng romantikismo noong 30s ng ika-18 siglo. Pinaikli ng French ballerina na si Camargo ang kanyang palda (tutu) at inabandona ang mga takong, na nagpapahintulot sa kanya na magpasok ng mga sipa sa kanyang sayaw (pagtama ng isang paa laban sa isa sa hangin. Sa panahon ng sipa, ang mga binti ay naka-cross sa ika-5 na posisyon sa pagtatapos). ng ika-18 siglo. ang kasuutan ng ballet ay nagiging mas magaan at mas malaya, na lubos na nakakatulong sa mabilis na pag-unlad ng pamamaraan ng sayaw. Sa pagsisikap na gawing mas mahangin ang kanilang sayaw, sinubukan ng mga performer na tumayo sa kanilang mga daliri, na humantong sa pag-imbento ng mga sapatos na pointe. Sa hinaharap, ang pamamaraan ng daliri ng babaeng sayaw ay aktibong umuunlad. Ang unang gumamit ng pointe dancing bilang paraan ng pagpapahayag ay si Maria Taglioni. Ang pagsasadula ng ballet ay nangangailangan ng pagbuo ng ballet music. Si Beethoven, sa kanyang ballet na "The Works of Prometheus" (1801), ay gumawa ng unang pagtatangka sa pag-symphonize ng isang ballet. Ang romantikong direksyon ay itinatag sa mga ballet ni Adam na sina Giselle (1841) at Corsair (1856). Ang mga ballet ng Delibes na sina Coppélia (1870) at Sylvia (1876) ay itinuturing na unang symphonized na mga ballet. Kasabay nito, lumitaw ang isang pinasimple na diskarte sa musika ng ballet (sa mga ballet ng C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, atbp.), Bilang melodic na musika, malinaw sa ritmo, nagsisilbi lamang bilang isang saliw para sa sayaw.
Karagdagang pag-unlad ng ballet.
Marie Anne Camargo
Tunay na pangalan: Cupis de Camargo, French. Marie-Anne de Camargo, 1710 - 1770 - mananayaw na Pranses. Kilala bilang isang repormador ng sayaw ng ballet. Ang una sa mga kababaihan ay nagsimulang magsagawa ng cabriole at entrechat, na itinuturing na bahagi ng isang eksklusibong pamamaraan ng sayaw ng lalaki. Pinaikli niya ang kanyang mga palda upang makagalaw nang mas malaya Hanggang sa 1751 natamasa niya ang napakalaking tagumpay sa Paris Opera House. Nagtanghal din siya bilang isang mang-aawit. Ang biyaya ni Camargo ay natuwa sa maraming sikat na tao noong panahong iyon, kasama na si Voltaire.
Marie Anne Camargo.
Ang tutu ay isang matibay na palda na ginagamit sa ballet para sa mga mananayaw. Ang unang tutu ay ginawa noong 1839 para kay Maria Taglioni batay sa pagguhit ng artist na si Eugene Lamy. Ang estilo at hugis ng tutu ay nagbago sa paglipas ng panahon. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang tutu ni Anna Pavlova ay ibang-iba sa modernong isa; Sa simula ng ika-20 siglo, dumating ang fashion para sa tutus na pinalamutian ng mga balahibo at mahalagang bato. Noong panahon ng Sobyet, ang tutu ay naging maikli at malapad.
Ballet costume.
Pack.
Pointe shoes (mula sa French pointe - point), minsan: pegs - sapatos na ginagamit kapag gumaganap ng klasikal na sayaw ng kababaihan. Ang sapatos ng pointe ay may matigas na daliri, gawa sa pink na satin at sinigurado ng mga ribbon sa paa ng mananayaw. Ang disenyo ng mga sapatos na pointe ay tumutulong sa mananayaw na makamit ang katatagan sa pagsuporta sa binti sa mga klasikal na pose ng sayaw. Ang isang ballerina, bago siya sumayaw sa mga sapatos sa paa (helmet, pointe shoes), ay dapat magpainit ng kanyang mga paa at ang mga sapatos mismo. Kung hindi, sa pinakamasamang kaso, maaaring mabali pa ng mananayaw ang kanyang mga binti.
Ballet costume.
Pointe na sapatos.
Mga panuntunan sa ballet.
Ang sayaw ay nagsimulang maging ballet nang magsimula itong itanghal ayon sa ilang mga patakaran. Ang mga ito ay unang binuo ng koreograpo na si Pierre Beauchamp (1637–1705), na nagtrabaho kasama si Lully at pinamunuan ang French Academy of Dance (ang hinaharap na Paris Opera House) noong 1661. Isinulat niya ang mga canon ng isang marangal na istilo ng sayaw, na batay sa prinsipyo ng eversion ng mga binti (en dehors). Ang posisyong ito ay nagbigay ng pagkakataon sa katawan ng tao na malayang gumalaw sa iba't ibang direksyon. Hinati niya ang lahat ng paggalaw ng mananayaw sa mga grupo: squats (plie), jumps (slides, entrechat, cabriole, jeté, ang kakayahang mag-hang sa isang jump - elevation), rotations (pirouettes, fouettés), posisyon ng katawan (attitudes, arabesques). Ang pagpapatupad ng mga paggalaw na ito ay isinagawa batay sa limang posisyon ng mga binti at tatlong posisyon ng mga armas (port de bras). Ang lahat ng mga klasikal na hakbang sa sayaw ay nagmula sa mga posisyong ito ng mga binti at braso. Kaya nagsimula ang pagbuo ng ballet, na binuo noong ika-18 siglo. mula sa interludes at divertissement tungo sa malayang sining.
Ballet sa Renaissance, Baroque at Classicism.
Ang proseso ng theatricalization ng sayaw ay naganap lalo na masinsinang sa Italya, kung saan na sa ika-14-15 siglo. Ang mga unang dance master ay lumitaw at batay sa katutubong sayaw, ballroom at court dance ay nabuo. Sa Espanya, ang pagsasalaysay ng sayaw na eksena ay tinawag na sayaw sa dagat (Moorish dance), sa England - isang maskara. Sa kalagitnaan ng ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo. Isang makasagisag, matalinghagang sayaw ang lumitaw, na inayos ayon sa uri ng komposisyon ng mga geometric na figure (ballo-figurato). Ang sikat na Ballet of Turkish Women ay ginanap noong 1615 sa korte ng Medici Dukes sa Florence. Ang mga mythological at allegorical na character ay nakikibahagi sa visual na sayaw. Mula sa simula ng ika-16 na siglo. Ang mga ballet ng equestrian ay kilala, kung saan ang mga sakay ay sumakay sa mga kabayo sa musika, pag-awit at pagbigkas (Tournament of the Winds, 1608, Battle of Beauty, 1616, Florence). Ang mga pinagmulan ng equestrian ballet ay humantong sa mga knightly tournament ng Middle Ages. Ang proseso ng theatricalization ng sayaw ay naganap lalo na masinsinan sa Italya.
Ballet sa Panahon ng Enlightenment.
Ang Age of Enlightenment ay isa sa mga milestone sa pag-unlad ng ballet. Nanawagan ang mga enlightenmentist na tanggihan ang mga kumbensyon ng klasisismo, para sa demokratisasyon at reporma. Weaver (1673–1760) at D. Rich (1691–1761) sa London, F. Hilferding (1710–1768) at ang teatro ng ballet. Si G. G. Angiolini (1731–1803) sa Vienna, kasama ang kompositor at opera reformer na si V. K. Gluck, ay sinubukang gawing ballet ang isang palabas na katulad ng isang dramatikong palabas. Ang kilusang ito ay lubos na nagpahayag ng sarili sa reporma ng estudyante ni L. Dupre na si Jean Georges Nover. Ipinakilala niya ang konsepto ng pas d'action (epektibong ballet) Inihalintulad ni Nover ang ballet sa klasikong drama at itinaguyod ang isang bagong saloobin dito bilang isang malayang pagtatanghal, pinahirapan niya ang bokabularyo ng sayaw ang pagbuo ng mga anyo ng solo at ensemble na sayaw, ang pagpapakilala ng anyo ng multi-act na ballet, ang paghihiwalay ng ballet mula sa opera, ang pagkakaiba-iba ng ballet sa mataas at mababang genre - komiks at trahedya at Ballets (1760) Ang pinakatanyag ay ang mga ballet ni Noverre sa mga paksang mitolohiya: Admetus at Alceste, Rinaldo at Armida, Psyche at Cupid, Death of Hercules - lahat sa musika ni J. J. Rodolphe, Medea at Jason, 1780, Chinese Ballet, 1778). , Iphigenia sa Aulis - lahat sa musika ni E. Miller, 1793. Ang pamana ni Nover ay binubuo ng 80 ballet, 24 na ballet sa mga opera, 11 divertissement Sa kanya, natapos ang pagbuo ng ballet bilang isang malayang genre ng theatrical art.
Noong 1920s–1930s, ang France ay naging sentro ng European ballet art, kung saan hanggang 1929 ang Russian Ballet troupe ni Diaghilev at ang mga grupo na lumaki sa batayan nito ay nagtrabaho noong 1930–1959, na may pahinga para sa digmaan ng 1944–1947, ang Ang Paris Opera troupe ay pinamumunuan ni Serge Lifar, na nagtanghal ng 50 ballet sa istilo ng neoclassicism, nagmo-modernize ng klasikal na sayaw at pinagsama ito sa mga elemento ng libre, katutubong, at pang-araw-araw na sayaw. Ang pinakasikat na ballerina noong panahong iyon: si Claude Bessy (b. 1932), isang mag-aaral ng Lifar, na nagsimula sa kanyang karera sa Balanchine, noong 1972 ay nagkaroon ng isang matunog na tagumpay sa Bolero ni M. Bejart, mula sa parehong taon - direktor ng ballet paaralan sa opera house, pati na rin ang liriko na mananayaw na si Yvette Chauvire (b. 1917), na sikat sa kanyang pagganap sa papel ni Giselle. Noong 1945–1951, itinatag ni Roland Petit ang Ballet des Champs-Élysées, at noong 1949–1967, ang Ballet of Paris. Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa: The Youth and Death of J. S. Bach, 1946, Carmen J. Bizet, 1949, Notre Dame Cathedral, 1965
France.
Ballet sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. (akademiko, impresyonismo, modernismo).
Nang dumating ang realismo sa iba pang mga anyo ng sining, natagpuan ng European ballet ang sarili sa isang estado ng krisis at pagbaba. Nawala ang nilalaman at integridad nito at napalitan ng extravaganza (Italy), music hall (England). Sa France, lumipat siya sa yugto ng konserbasyon ng mga napatunayang pamamaraan at pamamaraan. Sa Russia lamang napanatili ng ballet ang karakter ng pagkamalikhain, kung saan nabuo ang aesthetics ng grand ballet at academic ballet - isang monumental na pagganap na may mga kumplikadong komposisyon ng sayaw at virtuosic ensemble at solo na bahagi. Ang lumikha ng aesthetics ng academic ballet ay si Marius Petipa, isang mananayaw na Pranses na dumating sa Russia noong 1847. Ang mga ballet na Sleeping Beauty (1890), The Nutcracker (1892), Swan Lake (1895), Raymonda (1898), na nilikha niya sa pakikipagtulungan kay L.I Ivanov (1834–1901) at mga kompositor na sina Tchaikovsky at A.K. naging tuktok ng klasikal na symphonic ballet at inilipat ang sentro ng choreographic na kultura sa Russia.
Kasaysayan ng ballet noong ika-20 siglo. nailalarawan sa pamamagitan ng mga proseso ng asimilasyon ng mga tradisyon ng klasikal na ballet ng Russia sa mga kumpanya ng ballet ng Europa. Ang mga nangungunang uso ay metaporiko, walang plot, simponiko, libreng ritmo, modernong sayaw, mga elemento ng katutubong, pang-araw-araw, palakasan, at bokabularyo ng jazz. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang postmodernism ay umuunlad, ang arsenal ng mga nagpapahayag na paraan kung saan kasama ang paggamit ng sinehan at mga projection ng larawan, pag-iilaw at sound effects, elektronikong musika, mga pangyayari (paglahok ng mga manonood sa ballet), atbp. Ang isang genre ng contact choreography ay lumitaw, kapag ang mananayaw ay "nakipag-ugnayan" sa mga bagay sa entablado at sa entablado mismo. Nangibabaw ang one-act miniature ballet (short story, mood ballet). Ang mga bansang may pinakamaunlad na kulturang koreograpiko ay ang Great Britain, USA, France, at USSR. Ang isang pangunahing papel sa pag-unlad ng ballet sa mundo ay nilalaro ng mga mananayaw ng ikalawang alon ng paglipat ng Russia (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) at mga mananayaw ng paaralang Ruso na nagtrabaho sa Kanluran sa ilalim ng kontrata (M. Plisetskaya , A. Asylmuratova (b. 1961), N. Ananiashvili (b. 1963), V. Malakhov (b. 1968), A. Ratmansky (b. 1968) Expressionist at pagkatapos ay postmodern ballet na binuo sa Germany, Holland, at Sweden.
Ang mga kumpetisyon sa ballet ay nagsimulang isagawa noong 1964.
World ballet ng ika-20 siglo.
Ang kasaysayan ng Russian ballet ay nagsisimula noong 1738. Ang unang Russian ballet ay itinuturing na Ballet of Orpheus at Eurydice (1673, musika ni G. Schutz, koreograpo N. Lim, Comedy Khoromina sa nayon ng Preobrazhenskoye, Moscow). Noon, salamat sa kahilingan ng French dance master na si Jean-Baptiste Lande, na lumitaw ang unang paaralan ng ballet art sa Russia - ang sikat na ngayon sa buong mundo na St. Petersburg Academy of Dance na pinangalanang Agrippina Yakovlevna Vaganova.
Ang mga pinuno ng trono ng Russia ay palaging nagmamalasakit sa pag-unlad ng sining ng sayaw. Si Mikhail Fedorovich ang una sa mga tsars ng Russia na nagpakilala ng isang bagong posisyon ng mananayaw sa kawani ng kanyang korte. Si Ivan Lodygin iyon. Kinailangan niyang hindi lamang sumayaw sa kanyang sarili, ngunit turuan din ang gawaing ito sa iba. Dalawampu't siyam na binata ang inilagay sa kanyang pagtatapon.
Ang unang teatro ay lumitaw sa ilalim ng Tsar Alexei Mikhailovich. Pagkatapos ay kaugalian na magpakita ng isang sayaw sa entablado sa pagitan ng mga gawa ng isang dula, na tinatawag na ballet. Nang maglaon, sa pamamagitan ng espesyal na utos ni Emperador Peter the Great, ang pagsasayaw ay naging mahalagang bahagi ng etika sa korte. Noong 30s ng ikalabing walong siglo, ang mga marangal na kabataan ay obligadong matuto ng pagsasayaw.
Ballet ng Russia.
Pag-unlad ng ballet sa Russia.
Noong 1759–1764, ang mga sikat na koreograpo na sina F. Hilferding (1710–1768) at G. Angiolini (1731–1803) ay nagtrabaho sa Russia, na nagtanghal ng mga ballet batay sa mga paksang mitolohiya (Semira batay sa trahedya ng A.P. Sumarokov, 1772). Sa araw ng pagbubukas ng Petrovsky Theater, Disyembre 30, 1780, ang koreograpo ng Austrian na si L. Paradise, na dumating sa Russia kasama ang tropa ni Hilferding, ay nagtanghal ng pantomime ballet na The Magic Shop. Noong 1780s, ang mga koreograpo na sina F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni ay dumating mula sa Italya hanggang Russia, at sa pagliko ng ika-18–19 na siglo. Nagtanghal sila ng mga mararangyang divertissement sa Petrovsky Theater, na gumanap bilang karagdagan sa opera o drama.
Ang pinakamahalagang kaganapan para sa Russian ballet.
Ang pinakamahalagang kaganapan para sa Russian ballet ay ang pagdating sa Russia ng kilalang koreograpo ng pre-Romantic na panahon, si S. L. Didlo (nagtrabaho sa St. Petersburg noong 1800–1809, 1816–1829). Itinanghal niya ang anacreontic ballets na sina Zephyr at Flora (1808), Cupid at Psyche (1809), Acis at Galatea (1816), pati na rin ang mga ballet sa makasaysayang, komedya, at pang-araw-araw na tema: The Young Thrush (1817), Return from India o ang Wooden Leg (1821). Si Didelot ay naging tagapagtatag ng Anacreontic ballet genre, na pinangalanan sa sinaunang makata na si Anacreon, ang lumikha ng genre ng love lyrics. Si M.I. Danilova (1793–1810), E.A. Teleshova (1804–1857), at A.S. Novitskaya (1790–1822) ay naging sikat sa mga ballet ni Didelot. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, nagsimulang magkaroon ng hugis ang paaralan ng ballet ng Russia; Noong 1823, itinanghal niya ang The Prisoner of the Caucasus batay sa tula ni A.S. Pushkin, at nakipagtulungan sa kompositor na si Kavos. Si A.I. Istomina (1799–1848) ay nagningning sa kanyang mga pagtatanghal, na ang sayaw ay pinuri ni Pushkin, na inilarawan ito bilang "isang paglipad na puno ng kaluluwa." Ang sining ni Istomina ay nagpahayag ng simula ng romantikong ballet ng Russia at isinama ang pagka-orihinal ng paaralang Ruso, na nakatuon sa emosyonal na pagpapahayag.
Pag-apruba ng ballet ng Russia.
Sa pagpasok ng ika-18–19 na siglo. Ang oras ay dumating para sa pag-apruba ng Russian ballet. Lumitaw ang mga domestic kompositor na si A.N. Titov, S.I. Davydov, K.A. Pinagsama niya ang mga tradisyon ng Russian folk dance na may dramatikong pantomime at ang virtuoso technique ng Italian ballet. Nagtatrabaho alinsunod sa sentimentalismo, itinanghal ni Walberch ang unang ballet sa isang pambansang tema - ang melodrama na New Werther ni Titov, 1799. Sa panahon ng digmaan noong 1812, kumalat ang mga katutubong-makabayan na divertissement, at itinanghal ni Walberch ang ballet na Love for the Fatherland ni Kavos sa St. Petersburg, na batay sa katutubong sayaw ng Russia. Noong 1812, ang genre ng divertissement ay nakaranas ng pagtaas, salamat sa kung saan ang mga mananayaw na si Kolosova (1780–1869), T.I.
Ang pinakasikat na ballerina ng nakaraang siglo ay si Anna Pavlova.
Ipinanganak noong Pebrero 12, 1881 sa nayon ng Ligovo malapit sa St. Petersburg, sa pamilya ng isang mananahi, si Lyubov Pavlova. Ang buhay ni Anna ay ganap na nakatuon sa ballet. Walang nalalaman tungkol sa kanyang personal na buhay. At pagkatapos lamang ng kamatayan nalaman ng mundo ang tungkol sa maganda at trahedya na kuwento ng pag-ibig, ang lihim kung saan iningatan ng maalamat na ballerina sa kanyang puso sa loob ng tatlumpung mahabang taon. Isang pambihirang artista, si Pavlova ay isang liriko na ballerina, na nakikilala sa pamamagitan ng kanyang musika at sikolohikal na nilalaman. Sinabi ni Anna Pavlova: "Ang isang ballerina ay sumasayaw hindi gamit ang kanyang mga paa, ngunit kasama ang kanyang kaluluwa." Si Pavlova ay sobrang mapamahiin. Taimtim niyang napansin ang mga palatandaan: natatakot siya sa mga bagyo, nakikipagpulong sa isang pari, mga walang laman na timba, mga itim na pusa. Ang isang maliit na bagay para sa iba ay naging isang espesyal, lihim na tanda para sa kanya.
Mga magulang at pagkabata ni Anna Pavlova.
Ang hinaharap na ballerina ay ipinanganak halos dalawang buwan nang mas maaga sa iskedyul. Isang malamig na umaga ng Enero noong 1881 nang isinilang ang isang batang babae sa isang mahirap na mananahi na minsan ay nagtatrabaho ng part-time sa paglalaba. Ang bata ay napakahina na kahit ang mga kapitbahay, na nagkakagulo sa higaan ng batang ina, o ang babaeng nanganganak ay hindi umaasa na mabubuhay ang sanggol. Gayunpaman, salungat sa madilim na mga pagtataya, nakaligtas ang batang babae. Siya ay bininyagan at pinangalanang Anna bilang parangal sa santo, na ang araw ng kapistahan ay nakalista sa kalendaryo ng simbahan sa araw na iyon. Hindi naalala ni Anna ang kanyang ama. Si Matvey Pavlov, isang simpleng sundalo, ay namatay noong ang kanyang anak na babae ay halos dalawang taong gulang, walang iniwang mana, walang utos, walang pangkalahatang ranggo.
Bagaman sila ay nabubuhay sa patuloy na kahirapan, sinubukan ni Lyubov Fedorovna
pasayahin ang mahirap na pagkabata ng aking pinakamamahal na anak na babae. Sa mga araw ng pangalan at Pasko, ang batang babae ay palaging nakakatanggap ng mga regalo.
Unang pagkakakilala sa balete.
nang si Anna ay magwalong taong gulang, dinala siya ng kanyang ina sa Mariinsky Theater upang makita ang balete na The Sleeping Beauty. Kaya't ang hinaharap na mananayaw ay umibig sa sining na ito magpakailanman, at makalipas ang dalawang taon ang payat at may sakit na batang babae ay naging estudyante sa Imperial Ballet School. Ang pagpasok sa Imperial Ballet School ay parang pagpasok sa isang monasteryo, naghari doon ang gayong bakal na disiplina. Si Anna ay umalis sa paaralan noong siya ay labing-anim na taong gulang na may titulong unang mananayaw.
Pag-aaral ni Pavlova sa Imperial Ballet School.
Sa oras na iyon, ang St. Petersburg ballet school na ito ay walang alinlangan na ang pinakamahusay sa mundo. Napakaganda ng pagtuturo dito. Dito lamang napanatili ang klasikal na pamamaraan ng ballet.
Ang charter ng paaralan ay mahigpit na monastik. Pagbangon ng alas-otso, pagbubuhos ng malamig na tubig, pagdarasal, almusal, at pagkatapos ay walong oras ng nakakapagod na mga klase sa ballet barre, naantala lamang ng pangalawang almusal (kape na may crackers), tanghalian, na hindi nakakabusog sa gutom, at araw-araw na oras - mahabang paglalakad sa sariwang hangin. Alas nuwebe y medya ng gabi, ang mga estudyante ay kinakailangang nasa kanilang mga higaan.
Noong 1898, habang isang estudyante, si Pavlova ay gumanap sa ballet na "Two Stars," na itinanghal ni Petipa. Kahit na noon, napansin ng mga connoisseurs ang isang espesyal na biyaya na likas lamang sa kanya, isang kamangha-manghang kakayahang makuha ang patula na kakanyahan ng isang bahagi at bigyan ito ng sarili nitong kulay.
Matapos makapagtapos ng paaralan noong 1899, agad na naka-enrol si Pavlova sa tropa ng Mariinsky Theatre. Ang kanyang talento ay mabilis na nakakuha ng pagkilala, siya ay naging isang soloista, at noong 1906 siya ay na-promote sa pinakamataas na ranggo - prima ballerina. . Sumayaw siya ng mga bahagi sa mga klasikal na ballet na "The Nutcracker", "The Little Humpbacked Horse", "Raymonda", "La Bayadère", "Giselle". Noong 1906 siya ay naging nangungunang mananayaw ng tropa. Ang kanyang istilo ng pagganap ay lubos na naimpluwensyahan ng kanyang pakikipagtulungan sa mga koreograpo na si A. Gorsky at lalo na si M. Fokin. Ginampanan ni Anna Pavlova ang mga pangunahing tungkulin sa mga ballet ni M. Fokine na Chopiniana, Armida's Pavilion, Egyptian Nights, atbp. Noong 1907, sa isang charity evening sa Mariinsky Theater, unang ginampanan ni A. Pavlova ang choreographic miniature na itinanghal para sa kanya ni M. Fokine " Swan " (mamaya "The Dying Swan"), na kalaunan ay naging isa sa mga simbolo ng Russian ballet noong ikadalawampu siglo. Sa pagbibigay pugay sa pagbabago ni Fokine, si Pavlova ay patuloy na nananatiling nakatuon sa mga klasikong ballet ng Russia Noong 1910, lumipat siya sa tinatawag na posisyon ng "guest performer."
Mariinskii Opera House.
Noong 1909, si Sergei Diaghilev, isang mahuhusay na abogado, isang mayamang tao na may masigasig na interes sa sining, ay nagpasya na magbukas ng isang panahon ng opera sa Paris. Ipinakilala ni Dandre si Anna kay Diaghilev. Upang lumahok sa "mga panahon ng Diaghilev" kailangan ni Anna ng mga mamahaling banyo. Para kay Dandre, ang pangyayaring ito ay nangangahulugan ng malaking gastos. Ginawa niya ang lahat ng hinihiling sa kanya, ngunit sa huli ay napunta siya sa bilangguan. Hindi masyadong maliksi sa gayong mga bagay, hindi nabayaran ni Dandre ang kanyang pera, dahil wala siyang ganoong kalaking halaga na kinakailangan upang magbayad ng piyansa para sa kanyang paglaya mula sa bilangguan. Ang nakakapagod na pagsubok ay tumagal ng higit sa isang taon na sinabi ng mga Kontemporaryo na ang marubdob na pag-iibigan ay natapos kasama ng pera ng patron. Nang hindi pinabulaanan ang anuman, nagpunta sa ibang bansa si Pavlova kasama ang tropa ni Diaghilev. Sa Paris, siya at ang kanyang kasosyo na si Vaslav Nijinsky ay agad na nakamit ang kamangha-manghang tagumpay. Itinaya ni Diaghilev ang lahat sa mga artistang ito. Nakipag-negosasyon siya hindi lamang sa mga paglilibot sa Europa, kundi pati na rin sa Amerika at Australia, nang mangyari ang hindi inaasahang pangyayari: "nagkanulo" si Pavlova kay Diaghilev sa pamamagitan ng pagpirma ng isang kumikita, ngunit napakahirap, talagang nagpapaalipin, na kontrata sa noon ay sikat na theatrical agency na "Braff" sa London . Sa pagpirma sa kontratang ito, nakatanggap si Anna ng advance. At agad niyang idineposito ang perang ito bilang deposito na kailangan para mapalaya si Dandre sa kulungan.
Katapatan ng Swan.
Ang sikreto ng kanyang husay.
Ang unang paglilibot sa Europa ay nagdala kay Anna Pavlova ng walang uliran na tagumpay. Noong 1907 ginawa niya ang kanyang debut sa Stockholm. Pagkatapos ng isa sa mga pagtatanghal, isang pulutong ng mga manonood ang tahimik na sumunod sa karwahe ni Pavlova hanggang sa hotel. Ang mga tao ay hindi pumalakpak, hindi nagsasalita, hindi gustong abalahin ang pahinga ng artist. Walang umalis kahit nawala ang ballerina sa hotel. Naguguluhan si Pavlova kung ano ang gagawin hanggang sa iminungkahi ng kasambahay na lumabas siya sa balkonahe para magpasalamat. Sinalubong ng unos ng palakpakan si Anna. Napayuko lang siya. At pagkatapos ay nagmamadali siyang pumasok sa silid, naglabas ng isang basket na ibinigay noong gabing iyon, at nagsimulang maghagis ng mga bulaklak sa karamihan: mga rosas, liryo, violet, lilac Marahil, ang lihim ng pagkakaiba ni Pavlova mula sa iba pang mga mananayaw na nagniningning sa entablado bago at pagkatapos niya nakalagay sa kanyang natatanging pagkatao ang kanyang pagkatao. Sinabi ng mga kontemporaryo na, sa pagtingin kay Pavlova, hindi nila nakita ang pagsasayaw, ngunit ang sagisag ng kanilang pangarap na pagsasayaw. Siya ay tila mahangin at hindi makalupa, lumilipad sa entablado. May pagka-isip bata at dalisay sa kanyang pananalita na hindi akma sa totoong buhay. Siya ay huni tulad ng isang ibon, namumula na parang bata, umiyak at tumawa nang madali, agad na lumipat mula sa isa patungo sa isa pa. Palagi siyang ganito, parehong sa 15 at sa 45. At umibig siya nang simple at natural tulad ng kanyang pamumuhay at pagsasayaw - minsan at para sa lahat, kahit na walang naglalarawan ng isang masayang pagtatapos ng pag-iibigan.
Ang unang dayuhang paglilibot ni Anna Pavlova.
Mula noong 1908, nagsimulang maglibot sa ibang bansa si Anna Pavlova. Ganito naalala ni Pavlova ang kanyang unang paglilibot: "Ang unang paglalakbay ay sa Riga. Mula sa Riga nagpunta kami sa Helsingfors, Copenhagen, Stockholm, Prague at Berlin. Kahit saan ang aming mga paglilibot ay binati bilang mga paghahayag ng bagong sining. Iniisip ng maraming tao na ang buhay ng isang mananayaw ay walang kabuluhan. walang kabuluhan. Kung ang isang mananayaw ay hindi makontrol ang kanyang sarili, hindi siya magsasayaw ng matagal. Kailangan niyang isakripisyo ang sarili sa kanyang sining. Ang kanyang gantimpala ay kung minsan ay nagagawa niyang makalimutan ang mga tao sa ilang sandali ang kanilang mga kalungkutan at alalahanin Sumama ako kasama ang isang ballet troupe ng Russia sa Leipzig, Prague at Vienna, sinayaw namin ang magandang "Swan Lake" ni Tchaikovsky.
Ballet "The Dying Swan".
Ang choreographic miniature na "The Dying Swan" sa musika ng C. Saint-Saëns ay itinanghal para sa Pavlova ng koreograpo na si Mikhail Fokin noong 1907. Ang maliit na komposisyon na ito ay naging korona ng numero ni Anna Pavlova Ang costume para sa ballet na ito ay nilikha ayon sa sketch ni Bakst (a puting tutu na pinalamutian ng mga pakpak ng swan, isang bodice na pinutol ng swan's down, isang maliit na takip ng mga balahibo ng swan sa ulo, isang ruby brooch sa dibdib, na sumisimbolo sa isang patak ng dugo mula sa nasugatan na Swan). Ginawa niya ito, ayon sa mga kontemporaryo, ganap na supernatural. Isang spotlight beam ang bumaba sa entablado, malaki man o maliit, at sinundan ang performer. Isang figure na nakasuot ng swan's down ang lumitaw sa pointe shoes na nakatalikod sa audience. Nagmadali siya sa masalimuot na paikot-ikot ng kanyang paghihirap sa kamatayan at hindi natanggal ang kanyang pointe shoes hanggang sa matapos ang pagtatanghal. Ang kanyang lakas ay humina, umalis siya sa buhay at iniwan ito sa isang walang kamatayang pose, liriko na naglalarawan ng kapahamakan, sumuko sa nagwagi - kamatayan. Nang makita ng Pranses na kompositor na si Camille Saint-Saens ang sayaw ni Pavlova, ang maestro ay sumambulat: "Madame, ngayon naiintindihan ko na kung anong kahanga-hangang musika ang isinulat ko! Ang "The Dying Swan" ay naging imahe ng kaluluwa ni Anna Pavlova at ang kanyang "kanta ng swan." Sa bawat pagtatanghal, nag-improvised si Pavlova, at sa paglipas ng mga taon ang imaheng ito sa kanyang pagganap ay naging mas trahedya.
The Dying Swan (unang beses - 1907)Anna Pavlova -The Dying SwanPoster67 x 46
Anisfeld Boris Izrailevich Anna Pavlova. Namamatay na SwanChicago (USA). 1930Papel sa karton, watercolor, whitewash, pastel.74.8 x 54.6 Sa kanang ibabang sulok ay may nakasulat sa itim na lapis na "Boris Anisf... 1930". St. Petersburg Museum of Theater and Musical Art
Giselle.
Fantastic ballet in 2 acts Musika ni A. Adam Libretto ni J. Saint-Georges, B. Gautier Choreography ni J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa.
Mga tauhan:
Giselle, babaeng magsasaka. Si Bertha, ang kanyang ina. Nagbalatkayo si Prinsipe Albert bilang isang magsasaka. Duke ng Courseland. Si Bathilda, ang kanyang anak, ang kasintahang babae ni Albert. Wilfried, ang eskudero ni Albert. Si Hans, ang manggugubat. Si Mirta, ang maybahay ng mga Willis, si Monna ay mga kaibigan ni Mirta. Magpatuloy. Mga mangangaso. Mga magsasaka, mga babaeng magsasaka. Willis." "Si Willis, ayon sa paniniwala ng Aleman, ay ang mga kaluluwa ng mga batang babae na namatay bago ang kanilang kasal.
Isang nayon sa kabundukan, napapaligiran ng mga kagubatan at ubasan. Sa harapan ay ang bahay ng babaeng magsasaka na si Bertha, isang balo na nakatira dito kasama ang kanyang anak na si Giselle, na umiibig sa babaeng magsasaka na si Giselle, ay nagtatago ng kanyang titulo. Ang isa pang tagahanga ni Giselle, ang manggugubat na si Hans, ay sinubukang ipaliwanag sa kanya na si Albert ay hindi kung sino ang sinasabi niyang siya, ngunit si Giselle ay hindi gustong makinig sa kanya. mas tapat na kaibigan kaysa sa kanya, hindi niya ito mahanap. Ang mga tunog ng mga sungay ng pangangaso ay naririnig mula sa malayo, at sa lalong madaling panahon isang malaking grupo ng mga kababaihan at mga ginoo na may matalinong pananamit ay lumitaw. Kabilang sa kanila ang Duke ng Courland at ang kanyang anak na babae na si Bathilda, ang kasintahang si Albert. Mainit at pagod sa pangangaso, gusto nilang magpahinga at i-refresh ang kanilang sarili. Si Bertha ay nagmamadali sa paligid ng mesa, na gumagawa ng malalim na pagyuko sa marangal na mga ginoo. Lumabas ng bahay si Giselle. Tuwang-tuwa si Bathilda sa kagandahan at alindog ni Giselle. Ang parehong hindi inaalis ang tingin kay Bathilda, pinag-aaralan ang bawat detalye ng kanyang palikuran. Ang simpleton ay lalo na tinamaan ng mahabang tren ng anak na babae ng Duke. Si Bathilda ay nabighani sa spontaneity at kagandahan ni Giselle at binigyan ang dalaga ng isang gintong tanikala. Tuwang-tuwa at nahihiya si Giselle sa regalo. Tumungo ang ama ni Bathilda sa bahay ni Bertha upang magpahinga. Nagpapahinga rin ang mga mangangaso.
Kumilos isa.
Sa sobrang tuwa, sinasayaw ni Giselle ang kanyang pinakamahusay na sayaw. Sumama sa kanya si Albert. Biglang tumakbo si Hans, halos itinabi sila at, itinuro si Albert, sinisisi siya dahil sa hindi katapatan. Ang lahat ay nagagalit sa kabastusan ng manggugubat. Pagkatapos, upang kumpirmahin ang kanyang mga salita, ipinakita ni Hans ang sandata ni Albert na may mga mamahaling bato, na natuklasan niya sa hunting lodge kung saan nagpapalit ng damit si Albert. Nagulat si Giselle at humingi ng paliwanag kay Albert. Sinubukan niyang pakalmahin siya, inagaw ang espada ni Hans, hinugot ito at sinugod ang nagkasala. Dumating si Wilfried sa oras at pinigilan ang kanyang amo upang pigilan ang pagpatay. Bumusina si Hans sa pangangaso. Ang mga kalahok sa pamamaril, na pinamumunuan ng Duke at Bathilda, ay umalis sa bahay, na naalarma sa hindi inaasahang hudyat. Nang makita si Albert sa pananamit ng mga magsasaka, nagpahayag sila ng matinding pagtataka; siya ay nahihiya at sinusubukang ipaliwanag ang isang bagay. Ang mga kasama ng Duke ay yumuko nang buong paggalang kay Albert, at ang mga marangal na panauhin ay bumati sa kanya na ang kapus-palad na batang babae ay walang pag-aalinlangan: siya ay nalinlang. Nang nilapitan ni Albert si Bathilde at hinalikan ang kanyang kamay, tumakbo si Giselle palapit sa kanya at sinabing si Albert ay nanumpa sa kanya, na mahal niya siya. Dahil sa galit sa mga sinasabi ni Giselle, ipinakita sa kanya ni Bathilde ang kanyang singsing sa kasal - siya ang nobya ni Albert. Pinunasan ni Giselle ang gintong tanikala na ibinigay sa kanya ni Bathilda, itinapon ito sa lupa at, humihikbi, nahulog sa mga bisig ng kanyang ina. Hindi lamang ang mga kaibigan at kababayan ni Giselle, ngunit maging ang mga courtier ng Duke ay puno ng pakikiramay para sa kapus-palad na batang babae ay nasa kawalan ng pag-asa. Magulo ang isip niya. Siya ay namamatay.
Pagpapatuloy ng unang gawa.
Dumating si Albert sa sementeryo, kasama ang isang eskudero. Hinahanap niya ang puntod ni Giselle. Walang kabuluhan ang eskudero na nagbabala tungkol sa posibleng panganib; Bigla niyang napansin ang pigura ni Giselle. Hindi makapaniwala sa kanyang mga mata, nagmamadali itong lumapit sa kanya. Nawawala ang paningin. Pagkatapos ay lumilitaw siya nang paulit-ulit, na parang natutunaw sa kanyang kalungkutan at kawalan ng pag-asa. Pinatawad niya si Albert inutusan siya ni Myrtha na sumayaw. Nakiusap si Giselle kay Myrtha na palayain si Albert, ngunit ang mga Willis ay naninindigan na lumapit sa kanyang libingan at nawala ito sa paligid ni The Willis at hinila siya sa kanilang mapangwasak na sayaw. Dahil sa pagod, bumagsak si Albert sa paanan ni Myrta. Lumiliwanag na. Sa pagsikat ng araw, nawala ang kapangyarihan ng mga Willi. Naligtas si Albert. Paalam ni Giselle sa kanyang katipan. At ngayon magpakailanman. Ibinigay ni Albert ang kanyang kakila-kilabot na mga pangitain sa gabi at bumalik sa katotohanan.
Pagpapatuloy ng ikalawang kilos.
"Russian Seasons" ni Sergei Diaghilev.
Noong 1909, si Pavlova ay naging pangunahing kalahok sa lahat ng "Russian Seasons" ni Sergei Diaghilev sa Paris. Dito siya nakakuha ng katanyagan sa buong mundo. Sumayaw siya sa mga ballet: "Pavilion of Armida", "La Sylphides" at "Cleopatra" - ito ang mga pangalan ng "Chopiniana" at "Egyptian Nights". Naisagawa na ni Pavlova ang buong repertoire na ito sa Russia. Sa marangyang grupo ng mga pinakadakilang talento sa pagganap na ipinakita ni Diaghilev sa Paris, sinakop ni Anna ang isa sa mga unang lugar. "Palagi kong sinubukang ihagis ang isang mahangin na kumot ng tula sa sayaw," sabi niya tungkol sa kanyang sarili. Ginawa ni Divine Anna ang maraming tao na umibig sa ballet ng Ruso; , hindi nagkamali sa pagkalkula. Sinimulan nilang pag-usapan ang tungkol sa teatro ng Russia, ang mga tao mula sa mataas na lipunan ay nagsimulang bisitahin ito, ang mga tao ay dumating mula sa buong Europa upang makita ang Russian ballerina, ang teatro ay inanyayahan sa Australia at Amerika. Ang hinaharap ay tila nakatutukso at maliwanag Ngunit si Pavlova ay hindi gumanap nang matagal sa "Russian Seasons". Gusto niya ng malikhaing kalayaan.
Selyo ng Russia 2000. Sergei Diaghilev at mga panahon ng Russia.
Ang tropa ni Pavlova.
Kasama ang kanyang tropa, naglibot si Pavlova na may matagumpay na tagumpay sa maraming bansa sa buong mundo. Siya ang unang nagbukas ng Russian ballet sa Amerika, kung saan sa unang pagkakataon ang mga pagtatanghal ng ballet ay nagsimulang itanghal sa buong kapasidad. Ang tropa ay binubuo ng mga koreograpong Ruso at nakararami sa mga mananayaw na Ruso. Kasama nila, lumikha siya ng mga bagong koreograpikong miniature sa kanyang mga ruta sa paglilibot kasama ang parehong Asya at Malayong Silangan. Sa likod ng makikinang na mga pagtatanghal ay may masipag na trabaho. Sa paglipas ng 22 taon ng walang katapusang mga paglilibot, naglakbay si Pavlova ng higit sa kalahating milyong kilometro sa pamamagitan ng tren, ayon sa mga magaspang na pagtatantya, nagbigay siya ng halos 9 na libong mga pagtatanghal. Ito ay talagang mahirap na trabaho. Nagkaroon ng isang panahon kung kailan ang Italyano na master na si Ninolini ay gumawa ng isang average ng dalawang libong pares ng mga sapatos na ballet sa isang taon para kay Anna Pavlova, at halos wala siyang sapat sa kanila. Ang huling tour ng ballerina sa Russia ay naganap noong Hunyo 3, 1914. Nagtanghal ang ballerina sa St. Petersburg People's House, sa Pavlovsky Station, at sa Mirror Theater ng Moscow Hermitage Garden. Kasama sa repertoire ang "The Dying Swan", "Bacchanalia", at ang kanyang iba pang mga miniature. Hindi na siya bumalik sa sariling bayan. Ngunit si Pavlova ay hindi walang malasakit sa sitwasyon sa Russia. Sa mahirap na mga taon pagkatapos ng rebolusyonaryo, nagpadala siya ng mga parsela sa mga mag-aaral ng St. Petersburg Ballet School, naglipat ng malaking halaga ng pera sa mga nagugutom na tao sa rehiyon ng Volga, at nag-organisa ng mga pagtatanghal ng kawanggawa upang suportahan ang mga nangangailangan sa kanilang sariling bayan.
Memorya ng mahusay na ballerina ng Russia.
Si Victor Dandre, na lumikha ng isang club ng mga tagahanga ng kanyang sikat na asawa, ay nais lamang ng isang bagay - upang ang mahusay na ballerina ng ika-20 siglo ay maaalala sa loob ng maraming taon. Sa kasamaang palad, ang club ay hindi nakaligtas nang matagal. Gayunpaman, ang pangalan ng Russian ballerina, ang maalamat na si Anna Pavlova, ay tuluyan nang pumasok sa kasaysayan ng world ballet. Sa Holland, isang espesyal na iba't ibang mga tulip ang pinalaki sa kanyang karangalan - si Anna Pavlova. At sa Australia ay nakagawa sila ng isang katangi-tanging delicacy - isang mahangin na dessert na gawa sa meringue, whipped cream at wild berries, na tinatawag na Pavlova (na may diin sa titik na "o"). Kakaiba si Pavlova. Wala siyang mataas na profile na mga pamagat, walang iniwang tagasunod o paaralan. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang kanyang tropa ay binuwag at ang kanyang ari-arian ay naibenta. Ang mga tampok na pelikula at dokumentaryo ay nakatuon sa kanya (Anna Pavlova, 1983 at 1985). Itinanghal ng Pranses na koreograpo na si R. Petit ang ballet na "My Pavlova" sa pinagsama-samang musika. Ang mga numero mula sa kanyang repertoire ay sinasayaw ng mga nangungunang ballerina sa mundo.
http://www.krugosvet.ru/articles/62/1006291/1006291a1.htm
http://www.peoples.ru/art/theatre/ballet/pavlova/
http://persona.rin.ru/view/f/0/10023/pavlova-anna-pavlovna
Anna Pavlova sa Australia – 1926, 1929 Tours - materyal na hawak ng National Library of Australia
Mga larawan ni Anna Pavlova - na-digitize at hawak ng National Library of Australia
Malikhaing Sipi mula kay Anna Pavlova(1881-1931)
Andros sa Ballet
Pagsamba sa Bayani: Anna Pavlova, The Swan
Mga link.
Sa lahat ng paggalaw at istilo ng ballet, ang klasikal na ballet ay itinuturing na tradisyonal. Ang klasikal na ballet ay batay sa isang natatanging koreograpia, na siyang batayan para sa iba pang mga sayaw. Ang klasikal na ballet ay nakakahanap ng pagkakaisa sa galaw ng mananayaw at saliw ng musika. Ang klasikal na ballet ay batay sa limang posisyon ng paa. Bukod dito, ang lahat ng mga posisyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang posisyon kung saan ang mga binti ay nasa isang everted state. Mahalaga rin na kailangan mong i-on ang iyong mga binti mula sa balakang, at hindi lamang ang paa. Ang posisyon na ito ay nagbibigay-daan sa iyo upang maisagawa kahit na ang pinaka kumplikadong mga elemento at pagsamahin ang mga ito. Para sa isang mananayaw na makamit ang pagiging perpekto sa klasikal na pamamaraan ng ballet, mahalagang matutunan kung paano i-out ang mga binti, at para dito kinakailangan na bumuo ng kakayahang umangkop ng katawan. Ang pagpapalabas ng mga binti ay itinuturing na pangunahing pamamaraan ng klasikal na ballet. Ang posisyon na ito ay nagbibigay-daan sa iyo upang madaling lumipat patagilid. Ang mananayaw ay hindi tumalikod sa madla, ngunit sa parehong oras ay gumaganap ng mga paggalaw ng sayaw. Ang pangalawang bentahe ng pag-ikot ng mga binti ay kapag nagsasagawa ng isang tiyak na hakbang, maaari mong mapanatili ang balanse ng katawan. Ang kakayahang umangkop at kakayahan ng mananayaw na iikot nang tama ang mga binti ay hindi humahadlang sa paggalaw at nagbibigay-daan sa isa na maganda at madaling magsagawa ng mga elemento ng sayaw habang pinapanatili ang balanse ng katawan. At ito ay gumagawa ng mananayaw na kaaya-aya at kaaya-aya.
Ang gawain ay isinagawa ni T.M. Guro MOUSOSH No. 21 Ballet.
Ang ballet ay isang uri ng sining ng pagtatanghal; isang pagtatanghal na ang nilalaman ay nakapaloob sa mga musikal at koreograpikong larawan. Ang batayan ng isang klasikal na pagganap ng ballet ay isang tiyak na balangkas, isang dramatikong konsepto.
Ang pagsilang ng ballet. Sa Italya at Pransya, ang isang kahanga-hangang solemne na panoorin ay namumulaklak - court ballet. Ang simula ng panahon ng ballet sa France at sa buong mundo ay dapat isaalang-alang noong Oktubre 15, 1581, nang sa korte ng Pransya ay naganap ang isang pagtatanghal, na itinuturing na unang ballet - "The Queen's Comedy Ballet", na itinanghal ng Italyano. violinist na si Baltazarini de Belgioso. Ang batayan ng musika ng mga unang ballet ay ang mga sayaw sa korte na bahagi ng sinaunang suite. Sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, lumitaw ang mga bagong theatrical genre, tulad ng comedy-ballet, opera-ballet, kung saan ang isang makabuluhang lugar ay ibinigay sa ballet music, at ang mga pagtatangka ay ginawa upang isadula ito. Ngunit ang ballet ay naging isang independiyenteng anyo ng sining sa entablado lamang sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo salamat sa mga repormang isinagawa ng koreograpong Pranses na si Jean Georges Noverre.
Ballet ng Russia. Naabot na ng ballet sa Russia ang tunay na rurok nito, na naging isa sa mga tanda ng bansa at sining ng Russia. Ang unang malalaking pamayanan sa Moscow ng mga dayuhan ay itinayo noong ika-16 na siglo, na nagdadala sa kanila ng kulturang Europa at libangan sa Europa, kung saan ang teatro ay sinakop ang isang makabuluhang lugar. Ang ugnayan sa Europa ay pinalakas at lumitaw ang mga kaganapang pangkultura sa Europa. Ang pag-unlad ng ballet sa Rus' ay malapit at hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pag-unlad ng theatrical art sa pangkalahatan. Sumulat si Yu. Bakhrushin: "Ayon sa mga batas sa teatro noong panahong iyon, anuman ang genre ng dula, ang bawat kilos ay kailangang magtapos sa isang teatro na sayaw na tinatawag na ballet. Sa ibang bansa, ang mga ballet na ito ay tinawag na mga labasan, dahil ang mga performer ay lumabas upang sumayaw sa panahon ng mga intermisyon mula sa likod ng mga eksena hanggang sa proscenium. Sa Russia, ang mga ballet ay nagsimulang tawaging mezheznya, dahil sa ang katunayan na sila ay itinanghal sa pagitan ng mga kilos, na tinatawag na canopy, iyon ay, mga eksena.
Unang ballet performance. Sa Russia, ang unang pagtatanghal ng ballet ay naganap noong Pebrero 8, 1673 sa korte ng Tsar Alexei Mikhailovich sa nayon ng Preobrazhenskoye malapit sa Moscow. Inihanda ito ng isang dayuhan, si Nikolai Lima. Hindi alam kung sino ang kanyang pinanggalingan - malamang, isang Scot na lumipat sa France at pagkatapos ay dumating sa Russia bilang isang opisyal sa mga tropang engineering. Gayunpaman, ito ay isang ganap na maaasahang katotohanan na ang kanyang kaalaman sa ballet ay napakahusay. Naging pinuno siya ng bagong ballet troupe, ang guro nito, koreograpo at unang mananayaw. Sampung “philistine children” ang ipinadala para mag-aral sa Lima, at pagkaraan ng isang taon, dumoble ang bilang nila. Ito ang unang propesyonal na pagtatanghal ng ballet na itinanghal sa entablado ng Russia.
Ballet bilang isang sining. Sa ebolusyon nito, ang ballet ay papalapit nang papalapit sa palakasan, nawawala ang dramatikong kahalagahan ng papel kung minsan ay nauuna ito sa pamamaraan, ngunit nahuhuli sa nilalaman. Ang komprehensibong pagsasanay ng isang propesyonal na artist ay nangangailangan ng kaalaman sa musikal na kultura, kasaysayan, panitikan at scriptwriting. Kasabay nito, mula sa edad na pito, ang mga bata ay sumasailalim sa pagsasanay sa himnastiko, dahil ang mga ballet ng nakaraan, na nakaligtas hanggang ngayon, ay napabuti sa teknikal, at modernong ballet sa isang klasikal na batayan, halimbawa, ang Forsyth ballet, nangangailangan ng malubhang pisikal na pagsasanay, na kung paano sinimulan ng ballerina na si Sylvie Guillem ang kanyang malikhaing karera nang tumpak mula sa himnastiko. Ang mga sinaunang ballet ay may napakagandang aesthetic, kung minsan ay batay sa mga sinaunang tema, halimbawa, ang paggawa ni Charles Didelot ng Zephyr at Flora.
Modernong sayaw. Ang modernong sayaw ay isang direksyon sa sining ng sayaw na lumitaw sa simula ng ika-20 siglo bilang isang resulta ng pag-alis mula sa mga mahigpit na pamantayan ng ballet na pabor sa malikhaing kalayaan ng mga koreograpo. Ang ballet ay inspirasyon ng libreng sayaw, ang mga tagalikha nito ay hindi interesado sa mga bagong diskarte sa sayaw o koreograpia, ngunit sa sayaw bilang isang espesyal na pilosopiya na maaaring magbago ng buhay. Ang kilusang ito, na lumitaw sa simula ng ika-20 siglo, ay nagsilbing mapagkukunan ng maraming mga uso sa modernong sayaw at nagbigay ng lakas sa reporma ng ballet mismo.
Slide 1
Ang Sining ng Terpsichore
Slide 2
Ang ballet ay isang musical genre
Ang Ballet (mula sa Italian "ballo" I dance) ay isang partikular na akademikong anyo ng diskarte sa sayaw at musika. Karaniwang kinabibilangan ito ng sayaw, pantomime, aksyon at musika (karaniwan ay orkestra, ngunit minsan vocal Ang balete ay batay sa ilang uri ng balangkas, dramatikong konsepto, libretto, ngunit mayroon ding mga ballet na walang plot). Ang mga pangunahing uri ng sayaw sa ballet ay klasikal na sayaw at sayaw ng karakter. Ang isang mahalagang papel ay ginampanan ng pantomime, sa tulong ng kung saan ang mga aktor ay naghahatid ng damdamin ng mga karakter, ang kanilang "pag-uusap" sa isa't isa, at ang kakanyahan ng kung ano ang nangyayari. Ang modernong ballet ay malawak ding gumagamit ng mga elemento ng himnastiko at akrobatika.
Slide 3
Teknik ng ballet
Ang ballet ay ang pinakasikat na aktibidad ng sayaw dahil sa mga kakaibang katangian at diskarte nito: pointe work, leg turns, large stretches, graceful, smooth, precise movements at airiness.
Slide 4
Pinagmulan ng ballet
Ang sayaw ay dumadaan sa kasaysayan. Ang mga tradisyon ng sayaw-kuwento ay nabuo sa China, India, Indonesia at Sinaunang Greece. Ang theatrical dance ay kilala sa mas malawak na arena ng sinaunang teatro ng Greek. Nang sakupin ng Imperyo ng Roma ang Greece, pinagtibay nila ang sayaw at teatro ng Greek na may sariling sining at kultura. Ang sayaw ay nanatiling mahalaga hanggang sa Middle Ages, sa kabila ng pagsupil ng Simbahan. Ang sining ng ballet ay hindi lumitaw hanggang sa huling bahagi ng 1400s.
Slide 5
Saan ipinanganak ang classical ballet?
Ang pangunahing genre ng korte noong ika-17 siglo ay ballet. Ito ay binuo sa Italy at France. Malaki ang nagawa ng dalawang bansang ito para sa choreography, lalo na sa France. Sa unang pagkakataon sa France, nagsimulang itanghal ang mga pagtatanghal ng sayaw at ang mga mananayaw ay nakatayo sa kalahating daliri, nagsagawa ng mga pagtalon, pag-ikot, at mabilis na gitling. Ang ballet ay tanyag sa korte at maging si Haring Louis XIV ay sumayaw sa mga pangunahing bahagi ng balete at naging sentrong pigura sa sayaw.
Slide 6
Sino ang bumubuo ng ballet
Kompositor - musika. Librettist - nilalaman. Koreograpo - koreograpia.
Slide 7
Ang koneksyon sa pagitan ng ballet at iba pang sining
Ang musika ay binubuo ng kompositor at ang mga mananayaw ay gumaganap ng kanilang mga bahagi sa musika Literatura - ang librettist ay nagsusulat ng nilalaman ng pagtatanghal o isang ballet na pagtatanghal ay itinanghal batay sa mga sikat na gawa ng mga manunulat, halimbawa: Shakespeare's "Romeo and Juliet", Hoffmann's "The Nutcracker", "Sleeping Beauty" ni Charles Perrault, "Cinderella" Choreographer na naglalagay ng mga dance number Ang Ballet ay isang synthetic art form
Slide 8
Sino ang gumaganap ng ballet?
Ang mga ballerina ay mga soloista. Ang mga mananayaw ay mga soloista. Corps de ballet. Konduktor. Symphony Orchestra.
Slide 9
Mga tuntunin sa ballet
Mga pagkakaiba-iba - solo sayaw ng bayani. Ang Pas-de-deux ay sayaw ng dalawang bayani. Pas-de-trois – sayaw ng tatlong bayani. Ang corps de ballet ay isang malaking sayaw ng grupo. Katangiang sayaw - nailalarawan sa pamamagitan ng pantomime at hindi pangkaraniwang koreograpia. Batman – itinaas ng 90 degrees ang binti. Grand Batman - pagtataas ng binti ng 180 degrees. Fouette - pag-ikot sa lugar sa isang binti. Plie ay isang squat sa paa pala.
Slide 10
Pas-de-deux (pas de deux)
Slide 11
Mga pagkakaiba-iba
Slide 12
Corps de ballet
Slide 13
Batman at Grand Batman
Slide 14
Sayaw ng karakter at pantomime
Slide 15
Batman, pliy.
Slide 16
Slide 17
Ballet tutu
Ang tutu ay isang matibay na palda na ginagamit sa ballet para sa mga mananayaw. Ang unang tutu ay ginawa noong 1839 para kay Maria Taglioni batay sa pagguhit ng artist na si Eugene Lamy. Ang estilo at hugis ng tutu ay nagbago sa paglipas ng panahon. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang tutu ni Anna Pavlova ay ibang-iba sa modernong isa; Sa simula ng ika-20 siglo, dumating ang fashion para sa tutus na pinalamutian ng mga balahibo at mahalagang bato. Noong panahon ng Sobyet, ang tutu ay naging maikli at malapad.
Slide 18
Tutu – espesyal na damit para sa balete
Slide 19
Slide 20
Pointe na sapatos
Ang salitang pointe ay nagmula sa Pranses na "tip". Ang mga French ballerina ay maaaring magyabang na alam nila kung paano tumayo sa kanilang mga kamay at magsagawa ng mga kumplikadong elemento. Upang mapadali ang naturang sayaw, nagsimulang gumamit ng mga sapatos na pointe, na sinigurado ang binti at pinapayagan ang ballerina na mapanatili ang balanse. Ang mga modernong sapatos na pointe ay gawa sa materyal na satin, kadalasan, ang mga sapatos na pointe ay iniutos mula sa isang master para sa isang partikular na ballerina. Ito ay kinakailangan upang sila ay ligtas na ikabit ang paa. Sa daliri ng sapatos ng ballet, inilalagay ang siksik na materyal, at ang mga laso ay humarang sa paa sa bukung-bukong. Ang sayaw sa sapatos na pointe ay nakikilala sa pamamagitan ng espesyal na biyaya at virtuosity ng pagganap.
Slide 21
Ang mga sapatos na pointe ay mga espesyal na sapatos para sa mga ballerina na nagbibigay-daan sa iyong tumayo sa iyong mga daliri.
Slide 22
Sa hirap sa mga bituin
Ang ballet ay isang maganda at kumplikadong anyo ng sining na nangangailangan ng napakalaking titanic at pagsusumikap mula sa mga artista. Ang mga tao ay nagsimulang mag-aral ng ballet mula pagkabata. Ang pang-araw-araw na pag-eensayo at stretching exercise ay tumatagal ng maraming oras. Yaong mga humahatol sa kanilang sarili sa gayong gawain ay iniaalay ang kanilang buong buhay sa bagay na ito.
Slide 23
Mga sikat na bituin sa mundo. Anna Pavlova
Slide 24
Paglalarawan ng pagtatanghal sa pamamagitan ng mga indibidwal na slide:
1 slide
Paglalarawan ng slide:
MBOU "Ochurskaya Secondary School" Pagtatanghal sa paksa: Paglikha ng isang pagganap ng ballet Guro: Tolkacheva E.Yu.
2 slide
Paglalarawan ng slide:
3 slide
Paglalarawan ng slide:
19.1. At ipinanganak ang himala ng pagtatanghal... Ang Ballet, bilang isang sintetikong sining, ay pinagsasama ang iba't ibang uri ng artistikong pagkamalikhain: koreograpia, drama, musika, visual arts. Ang pinakamalapit na koneksyon ay umiiral sa pagitan ng ballet at panitikan. Ang mga sining na ito ay batay sa dramaturhiya, kung saan ang ibig sabihin ay balangkas at semantic conflict. Ang ballet dramaturgy ay tinutukoy ng libretto. Mula noong ika-19 na siglo. ang mga pagtatanghal ng balete ay nilikha batay sa mga akdang pampanitikan.
4 slide
Paglalarawan ng slide:
Ang pagkakamag-anak ng mga sining na ito ay nagbubunga ng pagkakakilanlan ng mga genre sa balete na katangian ng panitikan. Kaya, nakikilala nila ang: epic-dramatic ("Spartacus"), lyrical ("Chopiniana"), dramatic ("The Bronze Horseman"), lyrical-dramatic ("Swan Lake") at iba pang mga ballet genre. Mayroong iba pa, mas tiyak na mga kahulugan: ballet-poem ("The Fountain of Bakhchisarai"), ballet-novel ("Anna Karenina"), ballet-fairy tale ("Cinderella") at iba pa. Pagganap na "Anna Karenina" Pagganap na "Swan Lake"
5 slide
Paglalarawan ng slide:
Ang ballet at musika ay nagpapakita ng malalim na panloob na pagkakamag-anak. Para sa choreography sa isang ballet performance, ang musika ay may makabuluhan at emosyonal na kahulugan. Tinutukoy nito ang likas na katangian ng sayaw, ang tempo at ritmo nito, ang dramatikong pagpapahayag. Ang isang integral at organikong bahagi ng isang pagtatanghal ng ballet ay visual art. Ang artist sa ballet ay kinakailangang magbigay ng isang kaakit-akit na solusyon sa pagganap, na binuo ayon sa mga batas ng dinamika at paggalaw. Malaki rin ang papel ng aktor (dancer) sa pagsasakatuparan ng konsepto ng entablado. Ang isang mahusay na artista ay hindi lamang isang tagapalabas, ngunit isa ring pantay na tagalikha ng masining na imahe ng pagtatanghal. Mga mahahalagang bahagi ng ballet
6 slide
Paglalarawan ng slide:
19.2. Ang "Petrushka" ay isang obra maestra ng ballet art
7 slide
Paglalarawan ng slide:
8 slide
Paglalarawan ng slide:
Slide 9
Paglalarawan ng slide:
Paano nangyayari ang pagsilang ng isang obra maestra ng ballet? Tingnan natin ang halimbawa ng ballet na "Petrushka" (1911) ni Sergei Pavlovich Diaghilev. Ang ballet na "Petrushka" ay naging pinakamalinaw na halimbawa ng synthesis ng sining, na pinangarap ng maraming mga kultural na figure sa mga taong iyon. Mahirap paniwalaan, ngunit sa simula ang balete ay walang kahit na pangunahing pinagmulan. Ang orihinal na ideya ay pag-aari ni I. F. Stravinsky, na nauugnay ito kay Petrushka - ang "walang hanggan at kapus-palad na bayani ng mga fairs" sa maraming mga bansa sa mundo. Si Diaghilev, na inspirasyon ng mga ideya ni Stravinsky, ay nagpasya na magtanghal ng isang choreographic na pagganap. Sa musika lamang na isinulat ni I. F. Stravinsky, ang koreograpia na itinanghal ni M. M. Fokin at ang mga tanawin at kasuutan na nilikha ni A. N. Benois, nagsimulang lumitaw ang isang tiyak na balangkas, at nagsimulang magdagdag ng mga bagong karakter.
10 slide
Paglalarawan ng slide:
Si Igor Fedorovich Stravinsky (1882 - 1971) ay nakatuon ng espesyal na atensyon sa malalim na sikolohikal na drama ng minamahal na bayani na si Petrushka, na umiibig sa hangal na Ballerina, na mas pinipili ang mapagmataas na Arabo. Si Stravinsky ay napakatalino na nagsasabi tungkol sa pagdurusa ng pangunahing karakter, mabait at malikot, sa wika ng musika. Gumamit ang kompositor ng maraming bagong diskarte: street farce folklore, orkestrasyon at libreng polyphony. Maaari naming ligtas na sabihin na para sa "Petrushka" lumikha siya ng isang mahalagang wikang musikal na direktang nauugnay sa buhay ng Russia.
11 slide
Paglalarawan ng slide:
12 slide
Paglalarawan ng slide:
Nagsimula ang balete sa mga genre na eksena ng isang fair sa Admiralty Square sa St. Petersburg noong 1830s. Pinalitan ng mga sayaw ang isa't isa sa entablado. Ang choreography ni Fokine ay ganap na naihatid ang kapaligiran na itinakda ng orkestra. Kabaligtaran sa masiglang perya ay ang pangalawang eksena ng balete: sa isang walang laman at madilim na silid, dahil sa kawalang-interes ng Ballerina, umiiyak si Petrushka. Isang bagong contrast ang ibinigay ng ikatlong larawan: ang pakikipag-flirt ng Arabo sa Ballerina sa kanyang silid. Ang lahat ng mga eksena ay mahusay na pinapalitan ang isa't isa, na konektado sa pamamagitan ng balangkas.
Slide 13
Paglalarawan ng slide:
A. N. Benois. St. Petersburg booths. Itakda ang disenyo para sa unang eksena ng ballet na "Petrushka". 1911. Pribadong koleksyon. Moscow
Slide 14
Paglalarawan ng slide:
15 slide
Paglalarawan ng slide:
16 slide
Paglalarawan ng slide:
Slide 17
Paglalarawan ng slide:
18 slide
Paglalarawan ng slide:
At ngayon, nasa parisukat na, mabilis na lumaki ang pag-aaway sa pagitan ng Petrushka at Moor. Ang huling round dance ay nagpapabagal sa masiglang pagkilos, na inihahanda ang epekto ng isang biglaang kasukdulan. Parsley ay namatay mula sa Arab's saber. Ang karamihan ng tao ay umalis sa plaza, at ang nahulog na bayani ay muling isinilang bilang isang tagapaghiganti at nagdeklara ng isang paglaban para sa kanyang mga karapatang pantao. Ito ay eksakto kung paano ang tema ng "maliit na tao" ay ipinahayag sa isang nakakatakot na anyo - isa sa pinakamahalagang tema sa panitikan ng Russia noong ika-19 na siglo.
Slide 19
Paglalarawan ng slide:
Ang malalim na sikolohiya ng musika ni Stravinsky ay natagpuan ang pagpapahayag nito sa mga set at costume na nilikha ni Alexander Nikolaevich Benois (1870 - 1960), na naging pinakamahusay na mga gawa sa teatro ng artist. Ang musika ng "Petrushka" ay makikita rin sa mga pagpipinta ng artist. Sa pamamagitan ng kapangyarihan ng sining, nagawa niyang buhayin ang lumang Petersburg kasama ang mga karakter, kasiyahan at kaugalian nito.
20 slide
Paglalarawan ng slide:
21 slide
Paglalarawan ng slide:
Slide 22
Paglalarawan ng slide:
A. N. Benois. Mga sketch ng costume para sa ballet na "Petrushka": Street dancer, Court coachman. 1911
Slide 23
Paglalarawan ng slide:
Ang ballet na "Petrushka" ay naging tuktok ng choreographic mastery ni M. M. Fokin. Para sa pagtatanghal, hinangad niyang lumikha ng papet, hindi likas na mga paggalaw, ngunit sa parehong oras, sa mga paggalaw na ito, ipahayag ang tatlong ganap na magkakaibang mga karakter at ihatid ang balangkas ng drama sa paraang, sa kabila ng papet na kilos, gagawin nito ang nadarama at nakikiramay ang manonood.
24 slide
Paglalarawan ng slide:
Siyempre, ang matagumpay na tagumpay ng dula ay dinala ng mga pangunahing tagapalabas nito, at higit sa lahat ni Vaslav Fomich Nijinsky (1889 - 1950), na lumikha ng nakakagulat na "imahe ng isang manika sa fairground kung saan ang dibdib ng isang nagdurusa na puso ng tao ay tumitibok. ” Naunawaan kaagad ni Nijinsky ang walang limitasyong mga posibilidad ng imahe at napakatumpak na pinamamahalaang ihatid ang mga kakaiba ng mga kilos ng kanyang bayani. Nagawa niyang lumikha ng isang imahe na naging isang espirituwal na simbolo ng mga taong Ruso, na naghahatid ng matinding kawalan ng pag-asa, paninibugho, pagnanais para sa kalayaan at galit sa kanyang nagkasala.
25 slide
Paglalarawan ng slide:
Si Tamara Platonovna Karsavina (1885 - 1978), na gumanap bilang isang manika ng ballerina, at isa sa mga pinakamahusay na mananayaw noong panahong iyon, si Alexander Alexandrovich Orlov (1889 - 1974), na gumanap ng Moor, ay gumanap ng kanilang mga tungkulin nang hindi gaanong mahusay at kahanga-hanga. Ang bawat isa ay tumpak na muling ginawa ang karakter ng kanilang bayani. Ang mahusay na pagganap ng dalawang taong ito ay nararapat na nananatiling hindi malalampasan ng sinuman. Ballet ni I. F. Stravinsky "Petrushka", 1911 Ballerina costume. T. P. Karsavina bilang isang ballerina
26 slide
Paglalarawan ng slide:
Sa pangkalahatan, ang gawain sa dulang "Petrushka" ay isang napakatalino na halimbawa ng tunay na pagsilang ng isang obra maestra. Hindi sinasadya na isinulat ni Benois: "Ang trahedya na ballet ng Russia na ito ay pinagsama sa isang solong kabuuan ng lahat ng malalim na pambansang pinagmulan sa musika, pagpipinta, at sa karakter na Ruso, at sa parehong oras ay isang engrandeng generalization, isang metapora para sa isang baliw. mundo, malupit at walang malasakit sa pagdurusa ng kaluluwa ng tao...” Igor Stravinsky at Vaslav Nijinsky bilang Petrushka, 1911
Slide 27
Paglalarawan ng slide:
Mga obra maestra ng sining Frederic Chopin, "Chopiniana". Ballet sa isang gawa. Choreography at script ni Mikhail Fokin. Artist Alexander Benois. Mga kasuotan batay sa mga sketch ni L. Bakst
28 slide
Paglalarawan ng slide:
"Chopiniana" Ang premiere ay naganap noong Pebrero 10, 1907 sa isang charity performance sa Mariinsky Theater at nakatuon sa memorya ni Frederic Chopin. Ang romantiko, liriko, walang plot na ballet ay nakikilala sa pamamagitan ng hindi nagkakamali na panlasa ni Fokine. Sa ballet na "Chopiniana," ang batayan ng musika ay walong piraso ng piano ni Chopin, na inayos ni A. Glazunov at M. Keller, hinahangad ni Mikhail Fokin na kopyahin ang istilo ng romantikong ballet ng nakaraan. Bagama't sa panlabas ay napakasimple, ang koreograpia na ito ay puno ng malaking kumplikado. Nangangailangan ito ng mga performer na magkaroon ng banayad na pakiramdam ng istilo, musika, pananaw sa kahulugan ng komposisyon at high dance technique, na nagpapahintulot sa mga kumplikadong paggalaw na maihatid nang lubos na madali.
Slide 29
Paglalarawan ng slide:
"Chopiniana" Noong 1909, ang "Chopiniana", kasama ang pakikilahok ng mga bituin ng ballet ng Russia noong panahong iyon na sina Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, ay nakita sa Paris. Simula noon, nagsimula ang internasyonal na katanyagan ng ballet na ito, na naglibot sa lahat ng mga yugto ng mundo at ginagawa pa rin nang may patuloy na tagumpay.
30 slide
Paglalarawan ng slide:
"The Vision of the Rose" ni Carl Maria von Weber. "Pangitain ng isang Rosas" Ballet sa isang gawa. Libretto ni Jean-Louis Vaudoyer (batay sa tula ni Théophile Gautier "Ako ang multo ng rosas na isinuot mo sa bola kahapon"). Choreography ni Mikhail Fokin. Artist: Lev Bakst. Disenyo ng mga sketch ni A. Benois
31 slide
Paglalarawan ng slide:
"The Vision of a Rose" Ang ballet na "The Vision of a Rose" ay itinanghal ni Mikhail Fokine sa kumpanya ng Russian Ballet ni Sergei Diaghilev at unang ginanap noong Abril 19, 1911 sa Teatro Monte Carlo ng mga soloista na sina Tamara Karsavina at Vaslav Nijinsky. Ang gawaing koreograpiko ng silid na ito ay inspirasyon ng tulang "Ako ang multo ng rosas na isinuot mo sa bola kahapon" ng manunulat na Pranses na si Théophile Gautier. Ang mga patula na linya ay nakatuon sa multo ng isang bulaklak, na lumilitaw sa panaginip ng isang batang babae. Pagbalik mula sa bola, muli niyang naranasan ang rapture ng kanyang unang tagumpay at naalala ang binata na nagbigay sa kanya ng pulang rosas. Sa bukas na bintana, na parang may bugso ng hangin, lumipad siya papunta sa kanyang silid sa anyong bulaklak. At umiikot siya, dinadala siya sa isang romantikong sayaw.
Naglo-load...
