Nato negli Stati Uniti, nello stato del New Jersey, a Hoboken il primo giorno del nuovo anno 1864 - 1 gennaio. I suoi genitori sono una ricca famiglia ebrea immigrata in America dalla Germania. Quando il ragazzo aveva 11 anni, amava visitare uno studio fotografico locale e osservare i miracoli che accadevano nella camera oscura. Un giorno vide un fotografo ritoccare dei negativi. Il vecchio maestro spiegò ad Alfred perché era necessario il ritocco: per rendere la persona nella fotografia più naturale. “Non lo farei”, ha risposto senza esitazione il ragazzo al professionista. Gli studiosi della vita e dell'opera del grande fotografo, per sottolineare il suo status leggendario, sono soliti iniziare questa storia con le parole “dicono che...”. Ma, cosa interessante, anche quando il nome di Stieglitz era già conosciuto in tutto il mondo, il maestro non ritoccò mai i suoi negativi.

Nel 1881 la famiglia Stiglitz tornò in patria con l'obiettivo di dare ai propri figli un'educazione classica europea. Subito dopo il suo ritorno, Alfred entrò nel dipartimento di ingegneria meccanica della Scuola Tecnica Superiore di Berlino. Nei primissimi mesi della sua vita in Germania, il giovane si interessò alla pittura, alla letteratura, all'arte d'avanguardia e incontrò i suoi rappresentanti. E presto, nel 1883, mentre camminava lungo una delle strade di Berlino, entrò in un negozio e vide una macchina fotografica nella vetrina. Il giovane l'ha comprato. La macchina fotografica semplicemente affascinava Alfred. Non ha rotto con lei per molto tempo. La fotografia è diventata l'hobby dello studente. E poi questo hobby è diventato passione. All'inizio fece ciò che amava sotto la guida di Herman William Vogel, professore di fotochimica. Tuttavia, le lezioni principali della fotografia sono state insegnate a Stieglitz dal mondo che lo circonda.

Durante i suoi numerosi viaggi in giro per l'Europa, il giovane Stieglitz non si separò praticamente mai dalla sua macchina fotografica. Ha scattato molte fotografie. L'obiettivo di Alfred includeva contadini, pescatori e residenti di varie città europee. I paesaggi non gli erano estranei, sia urbani che rurali. Per Stieglitz, questo periodo iniziale di creatività è stato un momento di sperimentazione. Alfred era allora più attratto dalle capacità tecniche della fotografia. Una delle sue fotografie di quel periodo è stata scattata con un'esposizione di un giorno esatto: 24 ore! Mostrava un'auto parcheggiata in un seminterrato buio. Tutta l'illuminazione è una lampada fioca. Alfred si interessò sempre di più alle tecniche fotografiche e all'arte della fotografia. E già nel 1887 a Londra, in un concorso per fotografi dilettanti, ricevette il suo primo meritato premio: una medaglia d'argento. Fu presentato a Stieglitz dallo stesso Peter Henry Emerson, autore del famoso libro Naturalistic Photography for Art Students.

Nel 1890, Alfred Stieglitz tornò nella sua terra natale, New York. E divenne socio di un'azienda che realizzava fotoincisioni (Photochrome Engraving Company). Ma la fotografia rimase la passione principale dell’uomo d’affari in erba. E la fotografia amava Alfred. Nell'ultimo decennio del 19 ° secolo, il fotografo divenne proprietario di un centinaio di premi, ricevuti non solo nella sua terra natale, ma anche in molti altri paesi del mondo. La ragione di ciò non è solo il talento fenomenale di Stieglitz, ma anche la sua ammirevole capacità di lavorare. Credeva che durante le riprese la prima cosa da fare fosse scegliere una location, quindi studiare le linee degli oggetti e i diversi tipi di illuminazione. È inoltre necessario osservare i cambiamenti che avvengono nell'inquadratura, le persone che appaiono e scompaiono in essa. È necessario attendere il momento in cui la composizione della futura fotografia entrerà in completa armonia. E a volte devi aspettare ore per questo. Una delle famose fotografie di Stieglitz, Fifth Avenue in Winter, fu scattata il 22 febbraio 1893. L'autore ha aspettato il momento giusto per tre ore sotto una forte tempesta di neve! Lui stesso ne parlò più tardi così: “La prospettiva della strada sembrava molto promettente... Ma non c'era trama, né dramma. Tre ore dopo, un cavallo trainato da cavalli è apparso per strada, facendosi strada attraverso la tempesta di neve e volando dritto verso di me. L'autista frustava i cavalli sui fianchi. Questo era quello che stavo aspettando." Il maestro a volte ritornava sullo stesso oggetto molte volte, spesso settimane e mesi dopo. Ha ammesso che a volte non sapeva nemmeno cosa aspettarsi ogni volta da questo oggetto. Un giorno suo padre chiese ad Alfred: perché fotografi così tante volte questo edificio? Il fotografo ha risposto: aspetto solo il momento in cui l'edificio stesso si muove verso di me. Dopotutto, è l'immagine di tutta l'America e voglio catturare questa immagine. Stieglitz non ha cercato la natura esotica. Amava, come lui stesso diceva, esplorare ciò che era ricercato. E a volte trovava soggetti per le fotografie proprio davanti alla porta di casa sua.

Fin dall'inizio della sua attività creativa nel campo della fotografia, Alfred ha provato un certo disprezzo da parte dell'élite artistica per il suo lavoro. I suoi amici artisti dissero apertamente a Stieglitz che erano gelosi di lui. Pensavano che le sue fotografie fossero molto migliori dei loro dipinti. "Ma la fotografia non è arte", credevano gli artisti. Alfred non capì allora come ciò fosse possibile: da un lato considerava il lavoro delizioso. e dall'altro rifiutarlo completamente in quanto non fatto da mani. Il fotografo era indignato dal fatto che gli artisti mettessero le loro opere molto più in alto delle sue opere solo perché erano state create a mano. Non riuscì a venire a patti con questo e iniziò a lottare per il riconoscimento della fotografia come un nuovo mezzo artistico di autoespressione dell'autore, affinché l'arte della fotografia fosse uguale nei diritti con altre forme e tipi di belle arti.

Nel 1893, Alfred Stieglitz assunse la direzione della rivista American Amateur Photographer. Ma molto presto sorsero problemi nella squadra. I colleghi iniziarono a considerare il nuovo caporedattore troppo autoritario e già nel 1896 lasciò la rivista. E quasi subito prese in mano l'allora poco conosciuta rivista “Camera Notes”, pubblicata sotto gli auspici della società degli appassionati di fotografia “The Camera Club of New York”. Questa pubblicazione era seriamente limitata dal punto di vista finanziario a causa degli estremi risparmi, i suoi autori e fotografi (con rare eccezioni) non ricevevano nemmeno un compenso. In certi periodi la pubblicazione della rivista era così poco redditizia che l'editore dovette investire fondi personali nella sua produzione, fortunatamente Stiglitz aveva i fondi per questo. Ma tutto ciò non ha infastidito l'editore. Dopotutto, ora aveva un'eccellente piattaforma per promuovere le sue idee e rendere popolari se stesso e i suoi amici fotografi.

All'inizio del 1902, Charles De Kay, direttore del National Arts Club, invitò Alfred Stieglitz a organizzare una mostra fotografica di maestri americani contemporanei. Passioni serie poi divamparono nel club. Il motivo è quali opere dovrebbero partecipare a questa mostra. Stiglitz, come organizzatore, non è riuscito a raggiungere l'unanimità tra i suoi colleghi. E poi ha preso una decisione astuta: due settimane prima dell'apertura della mostra, ha formato un gruppo di iniziativa composto da sostenitori del suo punto di vista, che ha incaricato di selezionare le opere. È interessante notare che questo gruppo è passato alla storia della fotografia con il nome di “Photo-Secession”. La data della sua fondazione è considerata il 17 febbraio 1902.

All'inaugurazione di questa mostra, che successivamente divenne un enorme successo, Gertrude Casebier, fotografa americana, uno dei più grandi maestri del pittorialismo, chiese pubblicamente a Stieglitz: che tipo di gruppo è questo, e può considerarsi un membro? Stiglitz ribatté: "Tu stesso ti senti un membro di esso?" Gertrude rispose affermativamente. Poi Alfred sorrise: "Beh, che carino." Questo è già abbastanza. Ma quando Charles Berg, un partecipante alla mostra appena inaugurata, gli fece la stessa domanda, Stieglitz rifiutò in modo sgarbato e autoritario. Dopo questo incidente, molti si sono resi conto che solo Stieglitz stesso, personalmente, decide l'appartenenza di un determinato fotografo alla Photo-Secession. E la decisione del fondatore del gruppo non è soggetta ad alcun appello.

Quasi solo gli amici e i favoriti del fondatore e presidente permanente Stiglitz divennero membri del club: Clarence White, Edward Steichen, Frederick Holland Day, Gertrude Kaysebier, Frank Eugene. Alvin Langdon Coburn è stato successivamente reclutato nel gruppo. Ben presto Photo-Secession ebbe anche un proprio organo stampato: la rivista Camera Work. È stato pubblicato per 14 anni.

L'anno 1905 fu segnato per Alfred Stieglitz dalla fondazione delle “Piccole Gallerie della Foto-Secessione”. È vero, divenne noto con un nome diverso: "Galleria 291", poiché si trovava sulla Fifth Avenue al numero 291. Non solo fotografie, ma anche opere di artisti contemporanei iniziarono ad apparire sulle pareti di questa galleria: Cezanne, Renoir. Matisse, Manet, Rodin, Picasso, Braque... Ma queste mostre non sempre hanno avuto successo. Non solo la critica è stata dura, ma anche il pubblico in generale. La mostra di Matisse tenutasi nel 1908 non solo fu distrutta dai critici d’arte, ma provocò anche la protesta degli amici di Stieglitz del Camera Club. Il risentimento del maestro era così grave che abbandonò il gruppo e non vi fece più ritorno.

Anche l'esposizione e la vendita delle opere di Picasso nel 1911 finirono con un completo collasso. Stieglitz ricorderà in seguito con rammarico di aver venduto un solo disegno dell'artista, realizzato quando aveva dodici anni. E anche allora questo acquisto è stato effettuato dallo stesso Stiglitz. "Quando restituii a Picasso le sue opere invendute, mi vergognavo molto davanti al maestro", ricordò in seguito il gallerista. - Erano in vendita per 20-30 dollari l'uno. L'intera collezione esposta potrebbe essere acquistata per un paio di migliaia di dollari. Quindi queste opere furono offerte al direttore del Metropolitan Museum of Art. E non ha visto nulla di straordinario nelle opere di Picasso. Ha detto: cose così folli non saranno mai accettate dall’America”. Tuttavia, le Piccole Gallerie della Foto-Secessione hanno avuto un grande successo tra i giovani creativi d'America. Nell'autunno del 1908, la galleria ospitò una mostra dei disegni di Rodin. Georgia O'Keeffe, che in quegli anni era studentessa al Columbia College e che in seguito divenne un'artista famosa negli Stati Uniti e moglie di Alfred Stieglitz, ricordava che i loro insegnanti raccomandavano ai loro studenti di andare a questa mostra "per ogni evenienza" - e se ci fosse qualcosa dentro "E forse - non c'è niente. Ma non puoi perdertelo. "L'organizzatore di questa mostra", scrisse in seguito, "era un uomo strano e arrabbiato i cui capelli, sopracciglia e baffi crescevano direzioni diverse e si alzarono in piedi. “Siamo rimasti stupiti non solo dalla loro franchezza, ma anche dal fatto che fossero fatti in modo completamente diverso da come ci avevano insegnato”.

Alcuni anni dopo la mostra su Rodin, Alfred Stieglitz espose il lavoro di Georgia. Inoltre, senza alcun permesso da parte sua. Il giovane artista indignato arrivò ben presto allo studio e chiese direttamente a Stieglitz: "Chi ti ha dato il permesso di esporre il mio lavoro?" "Nessuno", le rispose Stiglitz con tutta calma e calma, indossando il pince-nez. Il dialogo è andato più o meno così:

Ma non puoi farlo, così come non puoi uccidere tuo figlio.

Ciò nonostante, lo pretendo”, esclamò Georgia e poi inaspettatamente rise.

In tal caso, chiedo il pranzo", ribatté Alfred e sorrise.

Fu questo incontro che segnò l'inizio della loro amicizia, cooperazione e amore, che durò fino alla morte di Alfred Stieglitz. Poco dopo la mostra in Georgia, la moglie di Stieglitz, Emeline, sorprese Alfred mentre fotografava la sua amata nuda e portò in strada i creatori di bellezza. Dopo questo incidente, la coppia Stiglitz si separò per sempre. Ma con la perdita di Emmeline, che non amava veramente, Alfred perse anche il suo patrimonio, grazie al quale, in generale, finanziò praticamente tutti i suoi numerosi progetti. Nel 1917, anche l’idea preferita di Stieglitz, “Piccole gallerie della foto-secessione”, cessò di esistere. Naturalmente, Alfred non è diventato un mendicante, ma, tuttavia, non poteva più sostenere finanziariamente gli artisti. "Questo è molto buono", disse in seguito Georgia, "gli artisti della fame scrivono meglio".

Ufficialmente, Alfred e Georgia legalizzarono il loro matrimonio nel 1924. Tuttavia, tra i coniugi c'è un'enorme differenza di età: 24 anni! - non poteva che influenzare le loro relazioni future. La giovane, bella, audace e talentuosa O'Keeffe era popolare nella società e ogni tanto si innamorava degli studenti di suo marito. Il suo primo amante a quel tempo era l'aspirante fotografo di talento Paul Strand, che aveva solo tre anni meno della stessa Georgia Dopo Paul si innamorò di Ansel Adams, un fotografo paesaggista americano, che a quel tempo era all'apice della sua popolarità. Georgia O'Keeffe condusse una vita turbolenta. Comunicava e viveva con chi voleva e poteva andare ovunque. Ma tornava invariabilmente da suo marito, Alfred Stieglitz. La più scandalosa, forse, è la relazione di Georgia con la moglie di Paul Strand, avvenuta alla fine degli anni Venti. È interessante notare che la stessa moglie di Strand era l’amante di Stieglitz diversi anni fa. È molto difficile comprendere tutti questi rapporti tra Stieglitz, le sue mogli, amanti, amici e studenti. E non ha senso. Tuttavia, vale la pena raccontare un altro evento della vita personale di Alfred Stieglitz. Nel 1927 incontrò Dorothy Norman, che divenne sua allieva e allo stesso tempo modella. Dorothy all'epoca aveva solo 22 anni. Poi ha scritto un libro sulla sua insegnante. All'inizio della sua conoscenza con Norman, l'interesse del tranquillo maestro della fotografia per la vita e la creatività divampò con rinnovato vigore. Prese di nuovo la macchina fotografica, ancora una volta non se ne separò per giorni interi, fotografando non solo il bel corpo della sua giovane amante, ma anche la città. Naturalmente non correva più per le strade, come in gioventù, con la macchina fotografica. Alfred catturò i paesaggi cittadini dalla finestra della sua casa o del suo laboratorio. Molti storici dell’arte e ricercatori del lavoro di Stieglitz ritengono che le opere create dal fotografo durante questo periodo siano molto più espressive e luminose delle opere della sua giovinezza.

La moglie ufficiale di Stieglitz, Georgia O'Keefe, ha preso la separazione dal marito in modo piuttosto duro, ma, tuttavia, in questo caso, si è comportata in modo molto più intelligente di quanto la sua prima moglie, Georgia, se ne fosse semplicemente andata, scegliendo di aspettare che la furia di Alfred finisse certo, lei tornò, ma aveva già posto le sue condizioni per suo marito. Il lato creativo della vita di Alfred Stieglitz negli anni Venti e Trenta del secolo scorso ebbe successo e fu fruttuoso. Era meritatamente popolare in tutto il mondo, fotografava ancora a molto, i suoi lavori furono pubblicati in libri e album e abbellirono le copertine di riviste famose, la presenza delle opere di Stieglitz alle mostre rese prestigiose queste mostre. Il famoso fotografo americano divenne il primo rappresentante della sua professione, le cui opere iniziarono ad avere status museale Tuttavia, dopo la chiusura delle “Piccole Gallerie della Foto-Secessione”, Stieglitz ebbe problemi a promuovere le sue opere e quelle dei suoi colleghi artisti e studenti ha dato il nome “Intimo”. Per le sue piccole dimensioni, il maestro stesso la definì “stanza”. Tuttavia, nei soli quattro anni della sua esistenza, le pareti di “Intimate” hanno visto più di una dozzina di mostre che sono diventate molto popolari. Raccolte le forze, il già anziano gallerista aprì una nuova galleria, “An American Place”, all’inizio del 1930. Divenne l'ultimo ed esistette fino alla fine della vita del maestro.

L'Enciclopedia Britannica scrive: Che Alfred Stieglitz “quasi da solo ha spinto il suo paese nel mondo dell’arte del XX secolo”. Lo ha fatto in modo piuttosto duro; Stiglitz ha trattato duramente coloro che hanno osato contraddirlo. Non ha fatto concessioni nemmeno ai suoi favoriti. Ad esempio, ha condannato duramente Edward Steichen, che, secondo Stieglitz, ha tradito l'arte per amore del commercio. Tuttavia, lo stesso Stiglitz soffriva molto per il suo carattere duro e difficile. Ma non potevo trattenermi. La nipote del fotografo, Sue Davidson Lowe, ha scritto un libro sul suo illustre nonno, Stieglitz: A Memoir/Biography. In esso, ha detto che Alfred non poteva fare i conti con il fatto che molti studenti lo hanno lasciato, cercando la propria strada nell'arte e nella creatività. Lo considerava un tradimento da parte loro. “Questo è stato il dramma di tutta la sua vita”, scrive Sue Davidson Lowe “Era un proprietario terribile. Non me ne ero reso conto." Stiglitz è riuscito a litigare anche con i suoi migliori amici. Uno di loro, Paul Strand, scrisse in seguito che il giorno in cui entrò nella Galleria 291 fu uno dei più fatidici della sua vita, ma Paul considera il giorno in cui lasciò An American Place non meno significativo: “Era come se fossi andato all’aria aperta, mi sono liberato da tutto ciò che era diventato – almeno per me – secondario, immorale, privo di significato”, scrive nelle sue memorie. Ma per la sua litigiosità, durezza di carattere, carattere severo, alla fine della sua vita Alfred Stiglitz, abituato a comandare, fu punito con una dipendenza fisica quasi completa da sua moglie. Nel 1938, l'anziano maestro della fotografia subì un grave infarto, e poi molti altri. Ognuno di questi colpi del destino ha reso Stieglitz sempre più debole. La Georgia ha abilmente approfittato della situazione, prendendo rapidamente le redini del potere su suo marito. Benita Eisler scrive di questo periodo della vita di Stieglitz nel suo libro "O" Keeffe and Stieglitz: An American Romance. Dice che Georgia ha affittato un attico, ha dipinto di bianco tutte le stanze, ha appeso solo i suoi lavori su queste pareti bianche e ha proibito le tende alle finestre. Scrisse al portiere l'elenco degli ospiti che potevano entrare in casa. E ha severamente vietato solo a una donna di aprire la porta: Dorothy Norman. Alfred non poteva opporsi a sua moglie: era già troppo debole. Era pieno di rabbia e amarezza per il suo comando sulla casa e su se stesso. Durante la sua partenza, Stiglitz cadde in una terribile depressione. Anche la completa dipendenza finanziaria dalla Georgia era per lui insopportabile. "Ogni volta che chiamavo Alfred", ha detto Claude Bragdon, "era sempre terribilmente depresso e diceva che voleva morire". Durante la successiva partenza della Georgia nell'estate del 1946, Alfred Stiglitz subì un altro attacco. Fu l'ultimo per il celebre gallerista e maestro della fotografia. Ritornata in città, la moglie si affrettò subito a trovare il marito in ospedale. Trovò Dorothy Norman al suo capezzale. Alfred era ancora vivo, ma la coscienza lo aveva abbandonato. La comune sfortuna non riconciliò le due donne. O'Keefe spinse bruscamente Norman fuori dalla stanza e trascorse le ultime ore da sola al capezzale del marito morente.

Alfred Stieglitz morì senza riprendere conoscenza il 13 luglio 1946. Come lasciò in eredità lo stesso Stiglitz, Georgia cremò il suo corpo e portò le sue ceneri a Lake George, non lontano da New York. Fu in questi luoghi che ebbe luogo la loro luna di miele. Georgia non ha mai detto a nessuno dove fossero sepolte le ceneri di Alfred. Ha solo detto che l'ha messo dove poteva sentire il lago. Per diversi anni dopo la morte del suo famoso marito, Georgia ha sistemato e riordinato i suoi archivi. Successivamente ha donato quasi tutta la sua eredità ai principali musei e biblioteche degli Stati Uniti: più di tremila fotografie e circa cinquantamila lettere.

Riparazione delle reti. 1894

Il soggetto di questa importante fotografia per Stieglitz, “Mending Nets”, è una giovane donna olandese intenta a riparare una rete da pesca sulle dune di Katwyk, nell'Olanda settentrionale. In una pubblicazione del 1899 sulla rivista fotografica Life, Stieglitz afferma che è “My Fotografia preferita." "È il compito più difficile e difficile selezionare una delle mie fotografie come la migliore. Ma poiché insisti, allora deve essere fatto. Forse se ho qualche preferenza, potrebbe essere Fixing Networks, poiché attrae sempre di più di me, e col tempo i suoi meriti si rivelano. Questa immagine porta davanti ai miei occhi la poesia infinita del mondo più pittoresco e affascinante delle persone, i semplici pescatori olandesi. Molti artisti si sono divertiti a studiarli e raffigurarli nell'arte e nella letteratura . Questa immagine è il risultato di un lungo studio.. Parla della vita delle giovani donne olandesi e ogni punto nella riparazione di una rete da pesca è l'inizio della loro esistenza E tutto ciò suscita in quelle un flusso di pensiero poetico che la guardano seduta sulle enormi e infinite dune mentre lavora con la serietà e la calma tipiche di queste persone forti. Tutte le sue speranze sono concentrate in questa occupazione, questa è la sua vita.”

Conversazioni sulla riva. 1894

Guardando il ritorno. 1894

Alfred Stieglitz - Alfred Stieglitz 1864-1946, grande fotografo americano. Nato il 1 gennaio 1864 nella città americana di Hoboken, nel New Jersey, da una ricca famiglia ebrea di emigranti dalla Germania, i genitori di Alfred volevano dare ai propri figli una buona educazione europea e nel 1881 tornarono in Germania. A Berlino, Alfred entrò nella Facoltà di Ingegneria Meccanica della Scuola Tecnica Superiore. Nel 1883, mentre passeggiava per Berlino, notò una macchina fotografica nella vetrina di un negozio: “L'ho comprata, l'ho portata in camera mia e da allora non me ne sono praticamente più separata. Mi ha affascinato, all'inizio per me è stato un hobby, poi una passione", ha ricordato in seguito. Per qualche tempo studiò sotto la guida del professore fotochimico Hermann William Vogel, ma il suo insegnante principale fu il mondo che lo circondava. Il giovane viaggiò molto in tutta Europa, quasi mai lasciando la sua macchina fotografica, fotografando paesaggi urbani e naturali, contadini, pescatori in Germania. , Italia e Paesi Bassi Nel 1884 i suoi genitori tornarono in America, ma Stieglitz rimase in Germania fino alla fine del decennio. Nel 1887, Stieglitz ricevette un premio al concorso di un fotografo amatoriale a Londra: ricevette una medaglia d'argento dalle mani di Peter Henry Emerson, autore del famoso libro Naturalistic Photography for Students of Art.

“L'ultimo scherzo di Bellagio” 1887, per il quale Stieglitz ricevette la sua prima medaglia.

Ritornato negli Stati Uniti, pubblicò riviste di fotografia e nel 1902 organizzò una mostra fotografica al National Art Club di New York, che ebbe un grande successo. Fu il primo fotografo le cui opere furono incluse nelle collezioni dei principali musei statunitensi e iniziarono ad essere esposte insieme a dipinti di artisti famosi. Creò e guidò il gruppo Photo-Secession, che comprendeva Edward Steichen, Clarence White, Alvin Langdon Coburn. Nel 1905-1917 fu direttore della galleria fotografica 291 sulla 5th Avenue, e poi di molte altre gallerie fotografiche. Ha presentato l'ultima arte europea al pubblico americano, noto per i suoi gusti conservatori: i dipinti di Cezanne, Matisse, Braque, Picasso, Duchamp, ecc. Secondo Britannica, Stieglitz “quasi da solo ha spinto il suo paese nel mondo dell'arte del XX secolo.” Dal 1916 lavorò in contatto permanente con Georgia O'Keeffe, nel 1924 divennero marito e moglie. O'Keeffe ha creato circa 300 fotografie. Era amico e collaborava con Ansel Adams. Lasciato la fotografia nel 1937 a causa di una grave malattia cardiaca, Alfred Stieglitz morì il 13 luglio 1946

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Venezia 1894

Canale di Venezia 1897

Paolo. 1889

Ritratto di una giovane donna. 1898

Primavera. 1901

Parigi. Boulevard dopo la pioggia. 1894

Spesso tornava allo stesso oggetto per settimane e persino mesi, aspettando... lui stesso non sapeva esattamente cosa stesse aspettando "Perché affitti all'infinito questo edificio?" – chiese una volta suo padre. “Sto aspettando il momento in cui si muoverà verso di me”, rispose il fotografo. "Non è un edificio, è un'immagine dell'America." E voglio coglierlo.

Veduta di Shelton. 1931

New York. 1905 Questa foto mostra chiaramente che agli inizi del 1900 l'America aveva inverni molto nevosi.

Quinta Avenue in inverno. 1905

“Dovresti scegliere un luogo e poi studiare attentamente le linee e l'illuminazione”, insegnava Stieglitz, “Poi osserva le figure che passano e aspetta il momento in cui tutto è in equilibrio, cioè quando il tuo occhio è soddisfatto. Questo spesso significa aspettare ore. La mia fotografia “Fifth Avenue in Winter” è il risultato di essere rimasto per tre ore in una tempesta di neve il 22 febbraio 1893, aspettando il momento giusto”. Un'altra volta ha parlato di questa foto in modo più dettagliato: “La prospettiva della strada sembrava molto promettente... Ma non c'era trama, né dramma. Tre ore dopo, un cavallo trainato da cavalli è apparso per strada, facendosi strada attraverso la tempesta di neve e volando dritto verso di me. L'autista frustava i cavalli sui fianchi. Questo era quello che stavo aspettando"

Qui vedi la fotografia originale “Fifth Avenue in Winter”, che mostra chiaramente quanto sia importante il ritaglio nella fotografia. Perché il ritaglio ti consente di tagliare tutto ciò che non è necessario e focalizzare l'attenzione sulla parte importante della foto.

Quinta Strada. 1900

Alfred Stieglitz – Alfred Stieglitz

SAHALLIN

New York. 1910

Terminale 1893

Luci di New York di notte. 1896

Fatto dall'uomo. 1902

Sulle strade principali di New York. 1903

Dirigibile. 1910

Aereo. 1910

Paesaggio montano. 1894

Nome Alfred Stieglitz

Madre Hedwig Stieglitz 1845-1922 Padre Edward Stieglitz 1833-1909

Alfred Stieglitz – Alfred Stieglitz

seconda parte

Successivamente, presento una selezione di autocromie a colori realizzate da Stieglitz nel periodo 1907-1924. Dopo che i fratelli Lumière inventarono un processo di stampa a colori disponibile al pubblico chiamato autocromia nel 1907. Stieglitz, come molti altri fotografi, iniziò a padroneggiare attivamente questo processo e realizzò parecchie fotografie a colori. Ma a causa dell'imperfezione dello strato di colore nell'autocromia e nel processo di sviluppo, i risultati erano estremamente instabili, il che spesso portava alla distorsione e allo sbiadimento dei colori. Inoltre, allora non esisteva carta fotografica colorata le lastre autocromatiche esistevano solo in una copia e dovevano essere visionate alla luce utilizzando strumenti speciali. Pertanto, Stieglitz perse presto interesse per l'autocromia a colori e tornò alla fotografia in bianco e nero. Di seguito sono riportate anche le fotografie in bianco e nero di Georgia O Keefe, la seconda moglie di Stieglitz.

Selma Schubart / Selma Schubart

Flora Stieglitz Straus

Alfred Stieglitz con la sua prima moglie Emilia Stieglitz.

Emilie Stieglitz e Katherine Stieglitz sono la figlia di Alfred Stieglitz.

Caterina Stiglitz.

John Obermayer e Katherine Stiglitz.

Alfred Stieglitz con la rivista Camera Work. Fotografia di Edward Steinhein

Alfred Stieglitz e Georgia O Keefe.

Rebecca Salisbury/Rebecca Salsbury

Alfred Stieglitz - Fotografo americano, proprietario di diverse gallerie, editore, è nato il 1 gennaio 1864 a Hoboken, nel New Jersey. Era il figlio maggiore di una ricca famiglia ebrea di origine tedesca. Nel 1867 la famiglia si trasferì da Hoboken a New York e nel 1881 tornò in Germania affinché i bambini potessero ricevere una buona istruzione europea. Alfred, a partire dal 1882, studiò presso il dipartimento di ingegneri meccanici della Scuola Tecnica Superiore di Berlino e dell'Università di Berlino. Oltre allo studio, dedica gran parte del suo tempo alla fotografia. Nel 1883 Stieglitz iniziò a studiare nello studio di G. Vogel, un fotochimico, che condivise con lui i fondamenti scientifici e tecnici della fotografia. Dal 1885 Stieglitz pubblicò periodicamente le sue fotografie e articoli su riviste professionali europee e americane e nel 1887 ricevette il suo primo premio fotografico al concorso dei fotografi dilettanti di Londra. Stieglitz tornò negli Stati Uniti con la sua famiglia nel 1890 e divenne comproprietario di un laboratorio di fotoincisione. Nel corso di 10 anni ha ricevuto più di 150 premi e riconoscimenti diversi e si è guadagnato la reputazione di uno degli specialisti più importanti della fotografia.

Per quattro anni, a partire dal 1893, Stieglitz si dedicò alla ricerca di se stesso. In primo luogo, è diventato redattore capo della rivista American Amateur Photographer, un anno dopo ha lasciato il laboratorio di fotoincisione, un anno dopo - dalla carica di redattore, dopo di che ha creato una nuova associazione di fotografi di New York, Camera Club of New York" (The Camera Club of New York) e ne divenne il vicepresidente, nel 1897 assunse l'incarico di redattore della sua stessa pubblicazione, Camera Notes.

Nel 1902 Alfred Stieglitz fondò il movimento d'avanguardia Photo-Secession. La pubblicazione ufficiale del gruppo per i successivi 14 anni fu la rivista Camera Work, e già nel 1905 aveva una propria galleria, le Piccole Gallerie della Foto-Secessione, meglio conosciuta come Galleria 291. La galleria ha ricevuto questo nome grazie al suo indirizzo: 291 Fifth Avenue. Esponeva non solo fotografie, ma anche dipinti di artisti contemporanei: Matisse, Renoir, Cezanne, Manet, Picasso, Braque, Rodin, O'Keeffe. Le mostre non sempre ebbero successo; alcune suscitarono l’insoddisfazione anche dei compagni di Stieglitz del Camera Club, per non parlare degli attacchi della critica. Nel 1911 una mostra e una vendita dei dipinti di Picasso fallirono. Di centinaia di opere, solo un disegno fu venduto, il secondo fu acquistato dallo stesso Stieglitz.

Nel 1916 Stieglitz espose nella sua galleria le opere della giovane artista Georgia O'Keeffe, senza nemmeno chiederle il permesso. Avendo saputo di ciò, Georgia ha chiesto che i suoi dipinti fossero rimossi, ma Stieglitz ha rifiutato. Questo incontro segnò l'inizio di una collaborazione, amicizia e amore che durò per molti anni.

Ben presto la moglie di Stieglitz, dalla cui fortuna furono finanziati principalmente i suoi numerosi progetti creativi, sorprese il marito a filmare Georgia nuda e li cacciò entrambi di casa. Dopo qualche tempo la coppia si separò definitivamente e nel 1924 Stiglitz e O'Keeffe legalizzarono la loro relazione. L’idillio però non durò a lungo.
La Georgia amante della libertà più di una volta si innamorò degli studenti di Stieglitz, se ne andò, visse come le piaceva, ma tornò sempre. Tuttavia, lo stesso Stieglitz non era infallibile: aveva delle amanti, una delle quali era la moglie del suo studente preferito Paul Strand. Ma la cosa più difficile per Georgia è stata la relazione di suo marito con la studentessa e modella 22enne Dorothy Norman. Nel 1929, O'Keeffe lasciò Stieglitz e si trasferì nel New Mexico, dove cercò di "resuscitare dalle ceneri" attraverso la creatività. E ci è riuscita: è stato grazie al lavoro di quel periodo che ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo dopo la morte di Stieglitz.

Nell'estate del 1946 Stiglitz subì un altro attacco di cuore. Morì senza riprendere conoscenza il 13 luglio 1946.

Yu. L'articolo è stato compilato sulla base di materiali provenienti da http://re-actor.net/

Stieglitz ha scattato questa foto utilizzando una piccola fotocamera (4x5), che a quel tempo non poteva essere considerata uno strumento serio per la fotografia artistica. Tuttavia, a differenza delle fotocamere ingombranti (8x10) che richiedevano l'uso di un treppiede, questa fotocamera ha dato a Stieglitz maggiore libertà e mobilità, con cui poteva vagare per la città e rispondere rapidamente ai cambiamenti della vita di strada.

Il fotografo americano, utilizzando l'autocromo dei fratelli Lumière, realizza fotografie a colori all'inizio del XX secolo. Molto spesso realizzava ritratti a colori perché richiedevano tempi di esposizione lunghi.

L'autocromia dall'inizio del XX secolo fino alla metà degli anni '30 rimase l'unico modo per creare fotografie a colori di alta qualità in quantità di massa. Le fotografie scattate dall'americano Alfred Stieglitz tra il 1907 e il 1917 furono le prime ad entrare nei musei del paese e furono esposte insieme ai dipinti dipinti da artisti. Il fotografo organizzava mostre in proprio ed era anche a capo di una delle prime gallerie fotografiche di New York. La raccolta di fotografie a colori è sorprendente in quanto Alfred è diventato famoso non per queste opere, ma per i suoi reportage in bianco e nero.

Vorrei attirare la vostra attenzione sul malinteso più popolare sulla fotografia: il termine "professionale" è usato per le foto generalmente considerate di successo, il termine "amatoriale" è usato per quelle non riuscite. Ma quasi tutte le grandi fotografie sono realizzate - e sono sempre state scattate - da coloro che perseguivano la fotografia in nome dell'amore - e certamente non in nome del profitto. Il termine "amante" presuppone una persona che lavora in nome dell'amore, quindi l'errore della classificazione generalmente accettata è evidente.

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz nacque il 1 gennaio 1864 a Hoboken, nel New Jersey, da una ricca famiglia ebrea di immigrati dalla Germania. All'età di 11 anni amava osservare il lavoro di un fotografo in uno studio fotografico locale e osservava con interesse i miracoli che avvenivano nel laboratorio. Un giorno notò un fotografo che ritoccava un negativo.

"Sto cercando di rendere l'immagine più naturale", ha spiegato il fotografo lo scopo delle sue manipolazioni.

Se fossi in te, non lo farei”, disse il ragazzo dopo aver riflettuto.

I genitori di Alfred volevano dare ai propri figli una buona educazione europea e tornarono in Germania nel 1881. A Berlino, Alfred entrò alla Facoltà di Ingegneria Meccanica della Scuola Tecnica Superiore. Ben presto le inclinazioni artistiche si risvegliarono nel giovane, scoprì la pittura e la letteratura, conobbe artisti e scrittori d'avanguardia. Nel 1883, mentre passeggiava per Berlino, notò una macchina fotografica nella vetrina di un negozio: “L'ho comprata, l'ho portata in camera mia e da allora non me ne sono praticamente più separata. Mi ha affascinato, all'inizio per me è stato un hobby, poi una passione", ha ricordato in seguito. Per qualche tempo studiò sotto la guida del professore fotochimico Hermann William Vogel, ma il suo insegnante principale fu il mondo che lo circondava.

Il giovane viaggiò molto in giro per l'Europa, non abbandonando quasi mai la macchina fotografica, fotografando paesaggi urbani e naturali, contadini, pescatori e chi più ne ha più ne metta. Era un periodo di sperimentazione, era attratto dal limite del “tecnicamente possibile”: un giorno scattò una fotografia di un'auto ferma in un seminterrato buio, illuminata da una fioca lampadina. L'esposizione è durata 24 ore! Nel 1887, Stieglitz ricevette un premio al concorso di un fotografo amatoriale a Londra: ricevette una medaglia d'argento dalle mani di Peter Henry Emerson, autore del famoso libro Naturalistic Photography for Students of Art.

Ritornato a New York nel 1890, Stieglitz divenne socio della Photochrome Engraving Company. Ma la sua passione principale era la fotografia, e ricambiava con lui: fino all'inizio del XX secolo ha ricevuto più di 150 (!) premi e medaglie in vari concorsi e mostre nella sua terra natale e ben oltre i suoi confini. Non solo il talento indubbio, ma anche le prestazioni semplicemente sorprendenti sono state la ragione di tale successo. “Dovresti scegliere un luogo e poi studiare attentamente le linee e l'illuminazione”, insegnava Stieglitz, “poi osservare le figure che passano e attendere il momento in cui tutto è in equilibrio, cioè in cui il tuo occhio è soddisfatto. Questo spesso significa aspettare ore. La mia fotografia “Fifth Avenue in Winter” è il risultato di essere rimasto per tre ore in una tempesta di neve il 22 febbraio 1893, aspettando il momento giusto”. Un'altra volta ha parlato di questa foto in modo più dettagliato: “La prospettiva della strada sembrava molto promettente... Ma non c'era trama, né dramma. Tre ore dopo, un cavallo trainato da cavalli è apparso per strada, facendosi strada attraverso la tempesta di neve e volando dritto verso di me. L'autista frustava i cavalli sui fianchi. Questo era quello che stavo aspettando." Spesso ritornava sullo stesso oggetto per settimane e persino mesi, aspettando... lui stesso non sapeva esattamente cosa stava aspettando.

Perché continui ad affittare questo edificio? - chiese una volta suo padre.

Aspetto il momento in cui si muoverà verso di me”, ha risposto il fotografo. - Questo non è un edificio, è un'immagine dell'America. E voglio coglierlo.

D'altra parte, non ha cercato alcuna natura esotica, preferendo "esplorare il ricercato": "Trovo soggetti a sessanta metri dalla mia porta", ha detto.

Fin dall'inizio della sua carriera di fotografo, Stieglitz ha dovuto affrontare il disprezzo per la fotografia da parte dell'élite artistica: “Gli artisti a cui ho mostrato le mie prime fotografie hanno detto che erano gelosi di me; che le mie fotografie sono migliori dei loro dipinti, ma sfortunatamente la fotografia non è arte. "Non riuscivo a capire come si possa ammirare un'opera e allo stesso tempo rifiutarla perché non fatta a mano, come si possano mettere le proprie opere più in alto solo sulla base del fatto che sono fatte a mano", Stieglitz era indignato. Non riusciva a venire a patti con questo stato di cose: “Allora ho iniziato a lottare... per il riconoscimento della fotografia come nuovo mezzo di espressione di sé, in modo che avesse pari diritti con qualsiasi altra forma di creatività artistica. "

Nel 1893 Stieglitz divenne direttore della rivista American Amateur Photographer, ma presto iniziò ad avere problemi con i colleghi: il suo stile manageriale si rivelò troppo autoritario. Nel 1896 fu costretto a lasciare la sua cattedra editoriale e iniziò a lavorare su una pubblicazione poco conosciuta chiamata Camera Notes, che fu pubblicata sotto gli auspici della società di fotografi dilettanti, The Camera Club di New York. Né i fotografi né la maggior parte degli autori dei testi ricevevano soldi per il loro lavoro, ma nonostante gli estremi risparmi la rivista continuava a non essere redditizia: spesso Stieglitz - fortunatamente era abbastanza indipendente dal punto di vista finanziario - doveva denunciare di tasca propria i fondi mancanti. Ma ha ricevuto un'eccellente piattaforma per diffondere le sue idee, per promuovere fotografie di se stesso e dei suoi amici.

All'inizio del 1902, il direttore del National Arts Club Charles De Kay chiese a Stieglitz di organizzare una mostra di fotografia americana contemporanea. Tra i membri del club è scoppiato un acceso dibattito su quale fotografo avrebbe dovuto partecipare alla mostra. Non riuscendo a ottenere il sostegno della maggioranza, Stiglitz ricorse a un trucco: fondò un gruppo di iniziativa formato dai suoi sostenitori, al quale affidò la selezione delle fotografie. Il gruppo, passato alla storia della fotografia con il nome di “Photo-Secession”, fu fondato il 17 febbraio 1902, due settimane prima della mostra.

Durante la cerimonia di inaugurazione della mostra, Gertrude Casebier ha chiesto:

Cos'è la Photo-Secessione? Posso considerarmi un foto-secessionista?

Ti senti membro del club? - Stiglitz ha risposto alla domanda con una domanda.

Sì,” rispose Gertrude.

Bene, questo è più che sufficiente”, la assicurò Stiglitz.

Tuttavia, quando Charles Berg, le cui fotografie erano incluse nella mostra, pose la stessa domanda, Stieglitz rifiutò in modo autoritario, per non dire scortese. Ben presto divenne chiaro a tutti che la decisione se “essere o non essere” un determinato fotografo come membro della “Photo-Secession” veniva presa personalmente da Stieglitz e non era oggetto di discussione.

I principali membri del club, in un certo senso i favoriti del suo fondatore e presidente permanente, erano Edward Steichen, Clarence White, Gertrude Casebier, Frank Eugene, Frederick Holland Day e, poco dopo, Alvin Langdon Coburn. La pubblicazione ufficiale del gruppo per i successivi 14 anni fu la rivista Camera Work.

Nel 1905 Stieglitz fondò le Piccole Gallerie della Foto-Secessione, che divenne nota come Galleria 291. Deve il suo strano nome al suo indirizzo: la galleria si trovava al 291 della Fifth Avenue. Oltre alle fotografie, la “Galleria 291” esponeva dipinti di artisti contemporanei: Matisse, Renoir, Cézanne, Manet, Picasso, Braque, Rodin, O'Keeffe... Queste mostre non sempre hanno avuto successo presso la critica d'arte e il grande pubblico: ad esempio , nell'anno 1908, la mostra di Matisse provocò attacchi di critici e proteste da parte dei suoi compagni del Camera Club. Lo Stiglitz offeso lasciò addirittura l'appartenenza al club e nessuna persuasione riuscì a costringerlo a tornare.

Nel 1911, l'esposizione e la vendita delle opere di Picasso si conclusero con un completo fallimento: "Ho venduto un disegno che aveva realizzato quando aveva dodici anni, il secondo l'ho comprato io stesso", scrisse amaramente Stieglitz, "Mi vergognavo dell'America quando Ho restituito tutte le opere a Picasso. Li ho venduti per 20-30 dollari al pezzo. L'intera collezione potrebbe essere acquistata per $ 2.000. L'ho suggerito al direttore del Metropolitan Museum of Art. Non vedeva nulla nell'opera di Picasso e diceva che cose così folli non sarebbero mai state accettate dall'America."

Ma la galleria era molto popolare tra i giovani creativi. Nell'autunno del 1908 vi si tenne una mostra dei disegni di Rodin. "Tutti i nostri insegnanti dicevano: 'Per ogni evenienza, vai alla mostra. Forse c'è qualcosa, forse non c'è niente. Ma non dovresti perdertela'", ha ricordato Georgia O'Keefe, a volte studentessa al Columbia College , - “Il curatore della mostra era un uomo i cui capelli, sopracciglia e baffi crescevano in direzioni diverse e stava dritto. Era molto arrabbiato e io lo evitavo. Ma i disegni mi hanno colpito entrambi per la loro franchezza fatto in tutto il modo in cui mi è stato insegnato.

Alcuni anni dopo questo evento, Stieglitz ha esposto le opere della stessa Georgia O'Keeffe, dimenticandosi di chiedere il permesso all'autore. Quando l'ha saputo, si è recata immediatamente in studio:

Chi ti ha dato il permesso di esporre il mio lavoro? - chiese indignata la ragazza.

“Nessuno”, ammise onestamente Stiglitz, indossando il suo pince-nez.

"Io, Georgia O'Keefe", urlò, "e chiedo che tu rimuova tutto questo dalla mostra."

"Non puoi farlo", rispose con calma. - Proprio come non potevano uccidere il proprio figlio.

"Ma esigo", ripeté ostinatamente e all'improvviso rise.

Poi chiedo il pranzo", rise Stiglitz a sua volta.

Questo incontro divenne l'inizio di cooperazione, amicizia, amore, che durò fino alla morte del maestro. Ben presto sua moglie Emmeline trovò il marito che correva nudo per la Georgia con una macchina fotografica in mano e, senza pensarci due volte, li cacciò entrambi di casa. Ben presto la coppia si separò; Avendo perso la moglie non amata, Stiglitz perse anche la sua fortuna, dalla quale furono finanziati principalmente i suoi numerosi progetti. All'inizio del 1917 fu costretto a chiudere la sua idea preferita, la Galleria 291. Certo, era ben lungi dal chiedere l'elemosina, ma non c'erano più soldi per sostenere gli artisti. “E giustamente”, ha commentato filosoficamente Georgia, “quando gli artisti hanno fame, scrivono meglio”.

Stieglitz e O'Keeffe legalizzarono la loro relazione nel 1924. Avevano una grande differenza di età (24 anni) e questo non tardò a influenzare la loro relazione. O'Keeffe si innamorò degli studenti e degli amici di Stieglitz: prima del giovane fotografo di talento Paul Strand, che aveva tre anni meno di lei, divenne in seguito Ansel Adams, all'epoca il fotografo paesaggista più popolare in America. Partiva e veniva, viveva come voleva e con chi voleva, ma tornava sempre. Una delle sue avventure più scandalose fu una relazione con... la moglie di Paul Strand alla fine degli anni '20, che, tra l'altro, diversi anni prima era l'amante dello stesso Stieglitz. Non è facile comprendere tutti questi colpi di scena: ne vale la pena?

Ma vale la pena menzionare un'altra avventura nella vita di Stieglitz: nel 1927, ebbe una studentessa di ventidue anni, nonché modella e amante part-time, Dorothy Norman, che in seguito scrisse un libro sulla sua insegnante. Il non più giovane fotografo ha riacquistato il suo interesse sia per la vita che per l'arte, ancora una volta non si è separato dalla macchina fotografica, fotografando non solo il bellissimo corpo del suo ultimo amante, ma anche la sua amata città. Naturalmente non correva più per le strade con la macchina fotografica, ma cercava di catturare i paesaggi urbani dalla finestra di casa o dello studio. Secondo numerosi ricercatori del suo lavoro, la New York del defunto Stieglitz è molto più luminosa ed espressiva rispetto ai suoi primi lavori.

Georgia O'Keefe ha avuto momenti molto difficili con la separazione, ma si è rivelata più intelligente del suo predecessore: se n'è andata, ha aspettato che suo marito “impazzisse” e, alla fine, è tornata, ma “alle sue condizioni. "

La vita creativa di Stieglitz negli anni '20 e '30 fu fruttuosa e di discreto successo. Ha fotografato molto, le sue fotografie hanno goduto di una meritata popolarità, sono apparse costantemente sulle pagine di libri e album fotografici, sulle copertine delle riviste e nelle mostre. Fu Stieglitz a diventare il primo fotografo le cui opere ottennero lo status di museo.

Dopo la chiusura della Galleria 291, Stieglitz incontrò alcune difficoltà nel promuovere il suo lavoro, così come le fotografie e i dipinti dei suoi studenti e amici. Nel dicembre 1925 aprì la Galleria Intima. Era, per usare un eufemismo, di piccole dimensioni - Stieglitz la chiamava "La Stanza" - ma nei quattro anni di esistenza della galleria ospitò diverse dozzine di mostre molto apprezzate. All'inizio del 1930 aprì una nuova galleria, An American Place, che continuò ad operare fino alla sua morte.

Secondo l’Enciclopedia Britannica, Stieglitz “quasi da solo ha spinto il suo paese nel mondo dell’arte del XX secolo”. E lo ha fatto con mano dura, trattando duramente chi osava contraddirlo. Non fa concessioni nemmeno ai suoi “preferiti”: ad esempio, condanna duramente Edward Steichen per “aver tradito l’arte per amore del commercio”. Lo stesso Stiglitz ne soffriva più di altri, ma non poteva farne a meno. “Non riusciva ad accettare il fatto che i suoi studenti lo lasciavano gradualmente, che stavano trovando la propria strada, ha sempre creduto che lo stessero tradendo. Questo è stato il dramma di tutta la sua vita. Era un proprietario terribile. Senza rendersene conto", ha scritto la nipote del fotografo, Sue Davidson Lowe, autrice di Stieglitz: A Memoir/Biography. Anche con i suoi migliori amici, riusciva a rovinare i rapporti: "Il giorno in cui entrai nella Galleria 291 fu il giorno più bello della mia vita..." scrisse Paul Strand, "Ma il giorno in cui uscii da An American Place" fu altrettanto Grande. Era come se fossi uscito all’aria aperta, mi fossi liberato da tutto ciò che era diventato, almeno per me, secondario, immorale e privo di significato”.

Forse, come punizione per le sue abitudini dittatoriali, il destino ha preparato per Stieglitz una spiacevole sorpresa: il fotografo, abituato a comandare, ha trascorso gli ultimi anni della sua vita in completa dipendenza da sua moglie. Ciò accadde dopo aver subito un infarto all'inizio del 1938, seguito da altri, ognuno dei quali lasciò il grande uomo sempre più debole. Georgia non tardò a prendere in mano le redini della situazione: "Affittò un attico, dipinse l'intera stanza di bianco, non permise che fossero appese tende alle finestre e decorò le pareti solo con le sue opere", scrisse Benita Eisler nel libro “O" Keefe e Stieglitz: An American Romance" (“O" Keeffe e Stieglitz: An American Romance") - “Ha dato al portiere un elenco degli ospiti che potevano entrare in casa e il nome di una donna che avrebbe dovuto non farti mai entrare - Dorothy Norman. Stiglitz era troppo debole per opporsi. Pieno di rabbia e di amarezza quando lei comandava in casa, egli cadeva in prostrazione quando lei se ne andava. Dal punto di vista finanziario dipendeva completamente da lei, il che per lui era insopportabile. L'architetto Claude Bragdon ha detto che ogni volta che chiamava, Stieglitz era sempre solo e depresso. Voleva morire."

Quando Stiglitz ebbe un altro (ultimo, a quanto pare) attacco di cuore nell'estate del 1946, la Georgia era assente. Tornando, si precipitò in ospedale: era ancora vivo, ma privo di sensi; Dorothy Norman sedeva accanto al suo letto. La sfortuna non era adatta a loro: Georgia ha cacciato la sua giovane rivale e ha trascorso le sue ultime ore con suo marito. Alfred Stieglitz morì il 13 luglio 1946 senza riprendere conoscenza. Secondo la sua volontà, il suo corpo fu cremato e la Georgia portò le sue ceneri a Lake George vicino a New York, dove una volta trascorsero la luna di miele. Non raccontò a nessuno il luogo della sua ultima dimora, limitandosi alla frase: "L'ho messo dove poteva sentire il lago".

Dopo la morte di Stieglitz, O'Keeffe ha trascorso diversi anni a mettere in ordine la sua eredità. Successivamente ha trasferito quasi tutte le opere del fotografo (più di 3mila fotografie), così come la sua corrispondenza (più di 50mila lettere) nei principali musei americani. e biblioteche.

Spiegato al ragazzo: "Questo è necessario affinché una persona sembri più naturale". "Non lo farei"“, - rispose coraggiosamente il ragazzo di undici anni al vecchio professionista. Oggi parleremo di un uomo che ha dato un enorme contributo all'arte della fotografia. Alfred Stieglitz (1864-1946)– maestro del pittorialismo, grazie al quale la fotografia divenne parte dell’arte.

Molti critici d'arte affermano che quasi da solo ha "spinto" quest'arte nel XX secolo. Il lavoro di una vita di Alfred Stieglitz è stato quello di insegnare che la fotografia è un'arte proprio come la pittura. Nel suo cammino incontrò continuamente ostacoli – difficoltà finanziarie, incomprensioni e perfino disprezzo da parte degli altri – ma non rinunciò al suo obiettivo.

Alfred è nato nel New Jersey da una ricca famiglia ebrea emigrata dalla Germania. È cresciuto come un bambino intelligente ed estremamente curioso. Uno dei suoi hobby da bambino era visitare uno studio fotografico, dove osservava gli artigiani al lavoro. Lì, secondo la leggenda, ebbe luogo quel dialogo molto profetico sulla necessità di ritoccare le fotografie. Successivamente, anche dopo essere diventato famoso in tutto il mondo, Stieglitz non ritoccò mai le fotografie, ritenendo che ciò potesse “uccidere” la fotografia.

Poiché i suoi genitori aderivano al vecchio sistema educativo europeo, fu deciso che Alfred dovesse essere educato nella sua terra natale. All'età di 17 anni entrò nel dipartimento di ingegneria meccanica della Scuola Tecnica Superiore di Berlino. Ma non era molto interessato alla sua futura professione. Grazie alla sua posizione piuttosto elevata nella società, il giovane Alfred ha avuto l'opportunità di comunicare con artisti e scrittori. Si interessò sempre più all'arte e più attivamente all'arte d'avanguardia.

La comunicazione con persone creative ha portato il giovane Alfred al punto che lui stesso non poteva più rimanere solo un osservatore.

“L’ho comprato, l’ho portato in camera mia e da allora non l’ho praticamente più lasciato. Mi ha affascinato, all’inizio per me era un hobby, poi è diventata una passione”., - questo è ciò che ha detto Alfred riguardo all'acquisto della sua prima macchina fotografica.

E in effetti, dopo aver acquistato la macchina fotografica, non l'ha quasi mai lasciata andare. La sua vita è cambiata, il giovane poteva girovagare per Berlino per ore, cercando di catturare la vita com'era. Non era solo un hobby, ma un'ossessione.

Dopo aver fatto un viaggio in Europa, Alfred non si è separato dalla sua macchina fotografica, cercando di scattare quante più foto possibile. Attraverso l'obiettivo della sua macchina fotografica, il giovane ha cercato di catturare tutta la diversità della realtà che lo affascinava. Non si trattava solo di persone provenienti da diverse classi sociali, ma anche di paesaggi urbani e rurali. Tale passione per la creatività fu presto premiata: nel 1887 Alfred Stieglitz ricevette una medaglia d'argento a Londra in un concorso per fotografi dilettanti. Questo è stato il suo primo premio.

Il padre di Alfred insistette affinché il giovane tornasse in America, ma il giovane resistette a lungo alla volontà dei suoi genitori. La fotografia a quel tempo non era considerata un'arte nella sua terra natale, mentre lo stesso Alfred era convinto che fosse una nuova corrente nell'attività creativa. Credeva che la fotografia avesse un grande potenziale non sfruttato. Nel 1890 si recò tuttavia a New York con la ferma intenzione di instillare nella società americana l'idea che la fotografia non è solo un mezzo tecnico per trasmettere la realtà circostante. Il suo obiettivo era far sì che le persone guardassero alla fotografia come una nuova forma di creatività.

Ritornato in America, Stieglitz diventa socio di un'azienda di fotoincisione. Ma non ha dimenticato la sua passione per la fotografia. Non basta essere semplicemente una persona dotata: il talento di Alfred era felicemente combinato con perseveranza e resistenza. A volte, per realizzare uno scatto prezioso, il fotografo doveva attendere diverse ore il momento giusto.

“Bisogna scegliere una location e poi studiare attentamente le linee e l'illuminazione. Poi osserva le figure che passano e aspetta il momento in cui tutto sarà in equilibrio, cioè in cui il tuo occhio sarà soddisfatto. Questo spesso significa aspettare ore.", ha insegnato.

Il frutto di un lavoro così scrupoloso è stata la fotografia “Fifth Avenue in Winter” (Winter, Fifth Avenue). Il fotografo ha visto qualcosa di insolito per strada, ma mancava qualcosa per completare il quadro. Ha dovuto restare al freddo per tre ore prima che l'ultimo elemento apparisse finalmente sulla strada: un carro trainato da cavalli che correva attraverso la tempesta di neve. Alfred parlava spesso di quanto sia difficile il lavoro: aspettare qualcosa che non sai di te stesso.

Spesso ai creativi viene chiesto di evidenziare una delle loro opere preferite. La rivista Life fece questa richiesta ad Alfred Stieglitz nel 1899. Dopo molte esitazioni, il fotografo alla fine chiamò la foto “Mending the Nets” (The Net Mender, 1898). Su di esso ha catturato una giovane ragazza olandese mentre riparava una rete da pesca. Il maestro stesso ha parlato di questa foto in questo modo:

“Parla della vita delle giovani donne olandesi, e ogni punto nel rammendo di una rete da pesca è l'inizio della loro esistenza. E tutto ciò dà origine a un flusso di pensieri poetici in coloro che la guardano, seduti su dune enormi e infinite e lavorando con la serietà e la calma così caratteristiche di queste persone forti.

La foto è diventata una vera storia della vita degli olandesi di quei giorni.

Come Stieglitz si aspettava, in America dovette affrontare il disprezzo per la fotografia da parte dell'élite artistica. Spesso sentiva elogi da artisti famosi, ma molti sottolineavano che la fotografia non era creatività. A quel tempo si credeva che solo ciò che veniva fatto a mano fosse arte. Ma Alfred non poteva venire a patti con questo e insisteva per conto suo: la fotografia poteva essere alla pari con i capolavori generalmente riconosciuti.

Stieglitz voleva mostrare l'America nelle sue opere così com'è. Ha cercato di immaginare non solo un luogo, ma la vita in esso. Spesso, per fare ciò, doveva ritornare più volte nello stesso luogo.

Ad esempio, per scattare la famosa fotografia del Flatiron Building, il fotografo è venuto da lui per diverse settimane. Il padre gli chiese perché avesse bisogno di così tante foto dello stesso edificio, al che il figlio rispose:

“Non è un edificio, è un'immagine dell'America. E voglio prenderlo"

Nel 1893, Alfred Stieglitz divenne direttore della rivista American Amateur Photographer. Ma il rapporto con la squadra non ha funzionato. Il suo stile di lavoro era considerato troppo autoritario dai suoi colleghi, il che costrinse Alfred a lasciare questa posizione. Successivamente inizia a collaborare con la poco conosciuta rivista Camera Notes. Nonostante la pubblicazione non fosse redditizia, per il fotografo divenne una sorta di piattaforma per promuovere le proprie idee progressiste.

Nel 1902 Stieglitz organizzò una mostra di fotografia americana moderna. Decidere chi avrebbe preso parte non è stato facile. Per selezionare le fotografie, Alfred organizzò il gruppo di iniziativa Photo-Secession, che comprendeva i suoi sostenitori e amici Edward Steichen, Clarence White, Gertrude Casebier, Frank Eugene, Frederick Holland Day e Alvin Langdon Coburn.

Successivamente Alfred fondò le Piccole Gallerie della Foto-Secessione. Vi erano esposte non solo fotografie, ma anche dipinti di artisti contemporanei. Tuttavia gli affari presso la galleria non sempre andarono bene, poiché era apprezzata soprattutto dai giovani.

È impossibile non menzionare la vita personale dell'artista, poiché le relazioni amorose spesso influenzano la creatività delle persone di talento. La vita di Alfred non ha fatto eccezione. Al momento dell'apertura della galleria, il fotografo era sposato da tempo con Emilia Obermeyer. Ma è stato un matrimonio su insistenza dei genitori. La coppia non è riuscita a trovare un terreno comune.

Mentre lavorava nella sua galleria, ha incontrato la giovane artista e fotografa Georgia O'Keeffe. Stieglitz era felice di incontrare finalmente qualcuno che condivideva la sua visione della vita.

Alfred si innamorò e, dopo che sua moglie sorprese il marito a fotografare la Georgia nuda, divorziarono e Alfred sposò una giovane ragazza. Ma dopo il matrimonio è diventato chiaro che c'era una grande differenza di età: 24 anni! – non ha l’effetto migliore sulla loro relazione. La Georgia conduceva uno stile di vita abbastanza libero e più di una volta si innamorò degli studenti di suo marito. Ma, nonostante ciò, è comunque tornata da suo marito.

Ma anche Alfred non era completamente devoto a sua moglie. Nel 1927 iniziò una relazione con il suo studente ventiduenne. Il suo nome era Dorothy Norman. Queste relazioni hanno avuto un impatto molto forte sul lavoro di Stieglitz: l’ispirazione è scesa nuovamente su di lui. Come in gioventù, Alfred ha preso in mano con entusiasmo la macchina fotografica. Molti ricercatori ritengono che sia stato durante la sua relazione con Dorothy che ha scattato alcune delle fotografie più espressive e vivide.

Si ritiene che il successo del lavoro di Alfred sia avvenuto negli anni '20 e '30 del secolo scorso. Fu durante questo decennio che le sue fotografie furono finalmente riconosciute nella società: furono pubblicate sulle pagine di libri e album e diventarono copertine di riviste. Per la prima volta, le fotografie hanno ottenuto lo status di museo: e queste erano le opere di Stieglitz. Ha raggiunto il suo caro obiettivo: la fotografia è stata riconosciuta come arte.

La lotta costante e lo stress nervoso hanno influito sulla salute del fotografo. A partire dal 1938 iniziò ad avere frequenti attacchi di cuore. Quando diventò completamente debole e non poté più lavorare, diventò completamente dipendente finanziariamente e fisicamente dalla Georgia, il che per lui era molto deprimente. Otto anni dopo morì. Dopo la morte del marito, Georgia donò quasi tutte le sue opere a vari musei e biblioteche.